2024-03-28T21:09:09Zhttps://escholarship.org/oaioai:escholarship.org:ark:/13030/qt9wp8z97q2024-03-18T20:41:01Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 9, no. 1 (Jan. 2024)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9wp8z97qBarrón Corvera, JorgeauthorValdez Villar, Alberto Jordánauthor2024-01-01El objetivo de este trabajo es el de brindar una edición crítica de la partitura Manuel 60 para violín solo del compositor mexicano Ramiro Luis Guerra González. Ésta permite una mayor claridad visual acompañada de sugerencias técnico-interpretativas así como de notas críticas. Para facilitar su lectura y ejecución, se transcribió la pieza utilizando el programa Finale, se modificó el formato y se estudiaron las posibilidades editoriales, técnicas y de diseño.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/ramiro luis guerra gonzálezmanuel 60 para violín solosugerencias técnico-interpretativastechnical-interpretive suggestionsfinale'Manuel 60' para violín solo de Ramiro Guerra: edición crítica y aspectos técnico-interpretativosarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt85z692vg2024-03-18T20:41:01Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 9, no. 1 (Jan. 2024)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/85z692vgBarrón Corvera, JorgeauthorValdez Villar, Alberto Jordánauthor2024-01-01Manuel 60 para violín solo es una obra de corta extensión compuesta en honor al sexagésimo aniversario de nacimiento del violinista y compositor Manuel Enríquez. La notación es convencional. Empero, su idioma musical muestra influencias del atonalismo, dodecafonismo y aleatorismo. Acorde a su vocación atonal, así como a la música de la época, la melodía presenta constantes saltos de registro, frases irregulares, ausencia de motivos rítmicos, así como prevalencia de intervalos disonantes, especialmente el tritono, la séptima mayor y su complemento, la segunda menor. De igual manera, no se utiliza armadura y las alteraciones afectan sólo a la nota que anteceden. Por otro lado, las barras divisorias se utilizan solamente para señalar el final de cada una de las cinco cláusulas musicales, mismas que se conforman individualmente con doce notas. El uso del instrumento es también convencional sin emplear ninguna técnica extendida de producción de sonido. Predomina el empleo de notas sencillas, aunque también hay algunos casos de notas dobles, triples y cuádruples.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/ramiro luis guerramanuel 60 para violín solomúsica mexicana del siglo xxatonalismododecafonismoaleatorismo'Manuel 60' para violín solo de Ramiro Luis Guerra (1933-2003): un enfoque analíticoarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7mz8h8662023-08-25T21:12:28Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7mz8h866Benner, Karen ZacyauthorLazos, John G.author2023-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Tomás Vicente Tosca, and Antonio Ezquerro Esteban, eds. Tomás Vicente Tosca y la renovación musical en el siglo XVIII. Barcelona: Universidad de Barcelona, 2021.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt71q5r4122023-08-25T21:12:27Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/71q5r412Díaz-Santana Garza, Luisauthor2023-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Jaime Flores Guardado. Un rock acá para todos los roles, Volumen I. Zacatecas: Ediciones Ágora, 2022.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7rj4k6n52023-08-25T21:12:26Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7rj4k6n5Olivieri, Alessioauthor2023-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Gioachino Rossini. La Veuve andalouse = The Andalusian Widow = La viuda del náufrago: for voice and piano = para voz y piano. Antoni Pizà and María Luisa Martínez, eds. Kassel: Reichenberger, 2022.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2kg3r00p2023-08-25T21:12:26Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2kg3r00pLa Spina, Riccardoauthor2023-01-01Determined to resuscitate its Ópera Italiana, Madrid serendipitously engaged no less a figure than Saverio Mercadante (1795-1870) to direct its inaugural season, in April 1826. As its first celebrity composer in recent memory, he spearheaded important successes that reaffirmed the institution’snecessity and enduring popularity, within weeks. Historians record Ópera Italiana’s adaptation to Spain’s theatres as an imposition of foreign ideals on autochthonous culture. However, deeper analysis of Mercadante’s Iberian sojourn uncovers a seemingly not hegemonic (not to mention less -than- opportunistic) rationale for furnishing new operas during this five-year period. His oft-stylized efforts contrast with his subsequent quest for style-maturity, betraying instead, a penchant for couleur locale and autochthonous subject matter (literary and historical). Thus, I due Figaro (Madrid, 1826) and Don Chisciotte (Cadiz, 1830), demonstrate Mercadante’s characteristic concern for audience appeal, and personal conviction to serve Spain’s theatrical interests. Within this new socio-cultural context, various elements of Spanish musical idiom are deftly employed, to further the composer’s agenda to advance taste-formation by providing innovations to conventional opera with which Spanish audiences would readily identify. Consequently, he occasionally revisited this idiom in other works to the end of his life- long career.Until now, elusive sources and sporadic interest have prevented the emergence of a cohesive account and assessment of this aspect of Mercadante’s legacy, as being of import to the development of Spain’s national romantic lyric genres. Notwithstanding ambitious and highly publicised efforts leading to the two operas’ revival in recent decades, the continuing absence of both a competent, comprehensive Mercadante biography and history of opera in Spain during this seminal period continue giving rise to much scholarly conjecture and misinterpretation of historical events. Seeking to redress some of these imbalances over several decades of individual research (of which this study forms but a part), we explore the nature of Mercadante’s continued ensuing inclination towards ‘Spanishness’ and establish its rationale. Originally a question of the composer’s professionally motivated objective in incorporating local influences into his work for Spanish audiences, the compositional aspect of skill acquired via his innovations prevails beyond his presence in Spain. An examination of the material he left for the Spanish-character operas and subsequent works, in necessarily selective but salient examples, identify their sources of inspiration. Regarding the national genre question, interpreting available press and musical sources bespeaking these works provides evidence that the contribution of Mercadante was still engaged in Spain long after his ultimate 1831 departure. Regardless of prevailing inconclusive judgments, Mercadante’s hitherto unrecognized influence deserves serious reconsideration. Bysystematically extracting the circumstances of the Iberian career segment and opus from historical obscurity into a new narrative, this study aims to facilitate their restoration to the proper context and reveal implications for further scholarship.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Saverio MercadanteoperaSpainI due FigaroLetizia CortesiIsabella FabbricaDon Chisciotte alle Nozze di GammacioDionigi BrogialdiSpanishnessMariano Soriano FuertesSantiago MasarnauBasilio BasilizarzuelaFederico MorettiBoleroIl VForeign Concepts: Saverio Mercadante and the Seeds of Modern Lyric-Theatrical Spanishnessarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4nv9w1rx2023-08-25T21:12:25Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4nv9w1rxOrringer, Nelson R.author2023-01-01Just as Lorca identified the Andalusian Gypsies (hereafter Roma) with deep song, so he equated New York African Americans with their spirituals, as defined in Carl Van Vechten’s 1925 article, “The Folksongs of the American Negro: The Importance of the Negro Spirituals in the Music of America.” Van Vechten notes that Black people felt ashamed of their spirituals for their slave origins, and Lorca surmised that African Americans were uneasy by nature. Yet Van Vechten regards spirituals as the most important contributions of America to music composition. Their sincerity makes them equal or superior to any folk music. Hence Lorca deems African Americans the most American minority of all, the most spiritual and delicate. From spirituals, writes Van Vechten, stem all popular American music. Therefore, Lorca finds Black people to be influential on all North American culture. Van Vechten contrasts what he calls “natural” Black music sung in its original dialect to artificial European operatic techniques for singing it. Accordingly, Lorca opposes African American naturalness in general to Caucasian artificiality. This antithesis permeates all of Lorca’s African American poems: “Norma y Paraíso de los negros,” “El rey de Harlem,” “Iglesia abandonada (Balada de la Gran Guerra),” and “Danza de la muerte.” After summarizing Van Vechten’s article, we use it to clarify that otherwise hermetic poetry.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/music and literatureAfrican American spiritualsFederico García LorcaCarl Van VechtenPoeta en Nueva YorkAfrican American poetryRoots of Lorca’s Black Poetry in Van Vechten’s Vision of the African American Spiritualarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4kj0z2pt2023-08-25T21:12:24Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4kj0z2ptGil de Gálvez, José Manuelauthor2023-01-01El papel del violín en la historiografía musical española y en la teoría e historia de la educación, han tenido hasta la fecha una escasa presencia a diferencia de las referencias bibliográficas que encontramos sobre el instrumento en otras historias nacionales que le han procurado una trascendencia, al menos, lo suficientemente amplia como para pertenecer a la historia universal de la música. La constatación bibliográfica de tales carencias nos lleva al planteamiento de la presente investigación sustanciando una hipótesis que pone en cuestión tal situación y delimita el objeto de estudio a “La dimensión violinística en la España dieciochesca”.Este objeto de estudio se concreta en la finalidad de “clarificar y exponer la historia del violín en España durante el siglo XVIII”. Adaptándose parcialmente en este artículo al objetivo específico de “estudiar las diferentes vías de transmisión del conocimiento violinístico en España y su aportación pedagógica a la historia universal del violín”. Una investigación que se mueve de forma transversal entre las humanidades y su área de conocimiento musicológico y las ciencias sociales en el área de teoría e historia de la educación. Todo ello visto desde el prisma violinístico, que tanta literatura ha generado para la historia universal pero que no ha sido profusa en nuestras historias nacionales de origen ibérico y latinoamericano, siendo una investigación de un área absolutamente deficitaria y que tanta falta nos hace rescatar, máxime escrita en español.A modo conclusivo, cabe decir que si efectivamente la enseñanza musical a lo largo del siglo XVIII se imparte principalmente en las capillas musicales, existió también un ámbito de enseñanza más civil o privado, así como en las casas nobiliarias que de forma incipiente y hacia finales de siglo se apertura con las academias ilustradas. Igualmente, debemos señalar que si el material pedagógico legado es escaso si lo comparamos con los países a la vanguardia y empleo del instrumento, no deja por ello de ser relevante no solo para el violín sino para la historia de la música instrumental española.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/violínSiglo XVIIImúsica españolaeducación musicalinstituciones educativas musicalesmétodosLa instrucción violinística en la España Ilustrada: aportación ibérica al legado pedagógico del instrumentoarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2bc2b2t42023-08-25T21:12:23Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 1 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2bc2b2t4Milella, Francescoauthor2023-01-01Este artículo analiza la breve pero intensa estancia mexicana del tenor y compositor Manuel García entre 1826 y 1828 con el objetivo de replantear perspectivas historiográficas y metodologías de investigación respecto a la llegada de la ópera italiana en la América Latina postcolonial en términos más generales. La primera parte retoma los recientes debates postcoloniales para cuestionar el cortocircuito narrativo que surge entre las ‘verdades’ que tanto el discurso europeo como el mexicano fueron erigiendo sobre la presencia de Manuel García en México a lo largo del último siglo: si el primero fue condicionado por la necesidad de preservar la centralidad y superioridad de Europa ante el ‘otro’, el discurso mexicano fue fomentado por un esfuerzo de representar a una nueva nación independiente, autónoma y moderna. La segunda parte analiza documentos inéditos respecto a la presencia de García en México con el objetivo de definir un camino historiográfico alternativo. El enfoque de este artículo abarcará solamente los primeros meses de su estancia mexicana, desde su llegada al puerto de Veracruz hasta su debut con el Barbero de Rossini en el verano de 1827, en los que se fueron entrelazando esas tensiones y conflictos culturales que terminarían transformando la presencia de García en un momento crítico pero fundamental en la historia musical de México.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Manuel GarcíaMéxico independienteGioachino Rossiniópera italianaBarbiere di Sivigliasiglo XIXhistoriografía musicalNarrativas paralelas: nuevas metodologías y documentos para una historiografía de la ópera italiana en el México independientearticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0w43x8832023-06-26T16:26:20Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 2 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0w43x883Hernandez Guerrero, Raquelauthor2023-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Luis Diaz-Santana Garza. Between Norteño and Tejano Conjunto: Music, Tradition, and Culture at the U.S.-Mexico Border. Lexington Books, 2021.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3p16r3d72023-06-26T16:26:19Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 2 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3p16r3d7Benavides, Anaauthor2023-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Tomás Bretón. Quinteto en sol mayor para piano y cuerda. María Luisa Martínez and Antoni Pizà, eds. Madrid: Colección Música Hispana, ICCMU, 2021.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9dr562wj2023-06-26T16:26:18Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 2 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9dr562wjMagre, Fernando de Oliveiraauthor2023-01-01Este artigo apresenta alguns resultados de uma pesquisa em torno da prática de música-teatro no Brasil. Concentra-se em verificar os apagamentos a que tal repertório esteve relegado nas narrativas musicológicas brasileiras da segunda metade do século XX. Para tanto, analisa os discursos de Vasco Mariz no livro História da Música no Brasil em contraponto ao livro Música Contemporânea Brasileira de José Maria Neves, ambos lançados em 1981 e igualmente referências no meio acadêmico brasileiro. Defende-se que a música-teatro é uma prática permanente na música contemporânea brasileira e que seu apagamento das obras referenciais se deu tanto por um projeto de identidade musical nacionalista no qual tal prática não se encaixava, quanto por uma inexistência de léxico para se referir a esse tipo de composição. Ao final, demonstramos os espaços de germinação da música-teatro no Brasil durante as décadas de 1960 e 1970 e uma catalogação não-exaustiva de obras que demonstra a quantidade e diversidade do repertório.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/musicologiamúsica contemporâneamúsica brasileiramúsica-teatrodiscursomusicologycontemporary musicBrazilian musicmusic theaterdiscourseDiscursos sobre a música-teatro na historiografia da música brasileira: duas obras musicológicas em perspectiva e seus desdobramentosarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4fd1z7h62023-06-26T16:26:18Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 2 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4fd1z7h6de Souza, Caioauthor2023-01-01O pacto do violeiro com o diabo é um tema recorrente no universo dos tocadores de viola em diferentes regiões do Brasil. Este artigo tem como objetivo realizar uma revisão bibliográfica acerca deste tema, através de pesquisas de violeiros, antropólogos e etnomusicólogos realizadas no norte do estado de Minas Gerais. Buscar um entendimento sobre o diabo no Brasil estabelecido e criado através dos colonizadores portugueses, populações indígenas e populações pretas, e como este se relaciona com as histórias narradas sobre os pactos dos violeiros. Proponho neste trabalho uma compreensão sobre como as histórias de pacto contribuem para a construção do mítico diabo no mundo da viola no Brasil.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/narrativapactodiaboviolanarrativepactdevilviola caipiraPacto de violeiro: entre as cordas, o diabo e a cruzarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt90n5752x2023-06-26T16:26:17Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 2 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/90n5752xCaicedo, Patriciaauthor2023-01-01La contribución femenina al desarrollo del ecosistema musical en Iberoamérica ha sido abundante, sin embargo, no ha sido vista en su totalidad por hallarnos inmersos en una sociedad patriarcal que ha privilegiado el aporte masculino asociándolo al racionalismo ilustrado que favorece la razón, en detrimento de los saberes adquiridos a través de los los sentidos y las emociones, formas denigradas, asociadas a sociedades premodernas y vinculadas con lo femenino. En este contexto, al estudiar el aporte de las mujeres a la música, la historiografía se ha centrado casi exclusivamente en el estudio de las compositoras — trabajo considerado intelectual— y su impacto en los espacios públicos —espacios de predominio masculino—, ignorando a las mecenas, maestras, intérpretes y audiencias, agentes decisivos para la transmisión y preservación de la música y de los valores asociados a ella, en espacios privados y públicos. Para entender el impacto de los diferentes agentes productores de significado en el género de canción artística, observaremos la trayectoria de una compositora, una poeta y una intérprete.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/canción artística latinoamericanamujerescompositorascanción españolacompositoras latinoamericanascompositoras catalanasConxita BadíaGabriela MistralChiquinha GonzagaLatin American art songwomen in musicwomen composersSpanish songMujeres-agua, mujeres-espejo y mujeres-puente en la creación y promoción de la canción artística latinoamericana e ibéricaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4ww4x4902023-06-26T16:26:16Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 8, no. 2 (Jan. 2023)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4ww4x490Favila, Cesar D.author2023-01-01La orden franciscana en Nueva España publicó libros para las prácticas misioneras en los siglos XVII y XVIII que incluían mensajes moralizantes dirigidos tanto a los indígenas de habla hispana como a los católicos españoles. Incluían letras de varias canciones penitenciales, así como versos llamados saetas. Las canciones abreviaban los mensajes predicados por los frailes que iban de pueblo en pueblo cantando estas canciones y predicando sermones que llamaban a la gente a confesar sus pecados. Este artículo ofrece una primera transcripción y análisis de estas canciones, hasta ahora no estudiadas, sosteniendo que son esencial para el proceso misionero y sacramental a través de su vocalización y vocalidad.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/FranciscanosmisionesNueva EspañapenitenciasaetavozFranciscansmissionsNew SpainpenitencesaetavoiceLa voz como misiónarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1gx0k1162022-11-21T20:59:13Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 2 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1gx0k116Ramos Contioso, Saraauthor2022-01-01El interés por una musicología centrada en el intercambio migratorio musical entre España y las Américas constituye el eje argumental de esta referencia bibliográfica. Desarrollada en un amplio volumen de 798 páginas, En, desde y hacia las Américas aborda la diversidad cultural de un período histórico –iniciado desde principios del siglo XVI– que fomenta las redes transoceánicas y permite valorar los distintos procesos de interculturalidad derivados de modelos europeos, africanos y americanos. Su aportación al campo de la musicología mantiene la continuidad por el estudio de las relaciones entre España y las Américas con un resultado transversal y diversificado sobre el proceso migratorio musical. De esta manera, su concreción como obra colectiva obedece a planteamientos previos como los encontrados en las monografías de Levi y Scheding (2010), Gratzer y Grosch (2018) o Peres da Silva y Hondros (2019) en el ámbito internacional o las de Recasens y Spencer Espinosa (2010), Pacheco (2013), Carredano y Picún (2018), Eli Rodríguez y Torres Clemente (2018) y Marín-López (2018) en el contexto específico iberoamericano. Todas ellas, por citar algunas de las más ilustrativas, profundizan en la cuestión musical de España y las Américas y tratan de fomentar el estudio de modelos y prácticas musicales representativas, así como de los procesos de interacción e intercambio cultural desarrollados en los distintitos períodos históricos.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Eli Rodríguez, Victoria, Javier Marín- López, and Belén Vega Picacho, eds. En, desde y hacia las Américas. Músicas y migraciones transoceánicas. Madrid, Dykinson, 2021.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3618f26r2022-11-21T20:59:12Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 2 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3618f26rAmado Pineda, Andrésauthor2022-01-01This article uses concepts of Occidentalism and the musical analysis of a funerary responsory by nineteenth-century Guatemalan composer Benedicto Sáenz (1807-1857) to examine possible reasons why music from nineteenth-century Latin America remains relatively neglected in the region and beyond, unlike the better explored repertoires from colonial times and from the twentieth and twenty-first centuries. Based on Latin American postcolonial notions of Occidentalism as the construction of the Western Hemisphere by Western Europe in the sixteenth and seventeenth centuries, and analysis of Sáenzs responsory Libera Me within the context of changing political, social, and musical trends in nineteenth-century Guatemala, I argue that nineteenth-century music in Latin America reflects local struggles to engage with two competing models of European modernity: the “first modernity” of the Spanish colonial empire and the “second modernity” of the Enlightenment, Liberalism, and the French Revolution. Responding to influences from both modernities, Libera Me expresses local European habiti that do not fit Orientalist narratives of Latin American Otherness or nationalist narratives of local distinctiveness which have influenced the musical historiography in the region.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/occidentalismnineteenth centuryGuatemalaBenedicto Sáenzpostcolonialismsacred musicoccidentalismosiglo XIXGuatemalaBenedicto Sáenzposcolonialismomúsica sacraBenedicto Sáenz 'Libera Me': Occidentalisms in Latin America Nineteenth-Century Sacred Musicarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1n5443bz2022-11-21T20:59:11Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 2 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1n5443bzRey, Andrésauthor2022-01-01El presente artículo aborda analíticamente la Sonatina para guitarra del compositor uruguayo Jaurés Lamarque Pons, importante figura de la corriente musical que se denominó nacionalismo musical ciudadano. Se estudiará la obra desde una mirada analítica y desde la teoría tópica, resignificando algunos aspectos inherentes de la música.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/música académica uruguayateoría tópicamúsica popular urbanaanálisis musicalnacionalismo musical ciudadanoUruguayan art musictopic theoryurban popular musicmusic analysispopular musical nationalismSonatina para guitarra de Jaurés Lamarque Pons: entre lo rioplatense y lo académico – una propuesta de análisisarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7w36f0z92022-11-21T20:59:10Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 2 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7w36f0z9Martínez Cárceles, Ibánauthor2022-01-01El encarcelamiento en 2021 del rapero Pablo Hasél ha dejado múltiples interrogantes abiertos respecto el funcionamiento de la justicia y el desarrollo del Estado de derecho en España. En este ensayo utilizaremos este caso para introducirnos en cómo los procesos de patrimonialización se han apoyado en el poder judicial para depurar aquello que es digno de ser parte del patrimonio. Todo ello, en un momento donde los nuevos contextos digitales provocan nuevas estrategias por parte del poder en su tendencia a establecer un abuso de la memoria y el olvido. Para dilucidar esta disposición social nos centraremos en cómo el poder judicial se sitúa como esencial para: negar a ciertas prácticas sonoras no convenientes el estatus jurídico de cultura de referencia; objetivar ciertas prácticas sonoras para aislarlas de su contexto y apropiarlas al relato que pretenden; y por último, pervertir el lenguaje para asociar ciertos conceptos como el de violencia a géneros musicales como el rap.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/patrimonializaciónpoder judicialmemoriacanto improvisadolibertad de expresióncultura de referenciaheritagizationjudicial powermemoryimprovised singingfreedom of expressionculture of referenceLas palabras ya no son llevadas por el viento: el caso de Pablo Hasél y las nuevas estrategias del poder institucional en los procesos de patrimonializaciónarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt91h9z40x2022-11-21T20:59:09Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 2 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/91h9z40xMarín-López, Javierauthor2022-01-01Este artículo plantea el reto de escribir un nuevo relato en torno al estudio de las músicas coloniales latinoamericanas desde el paradigma de la “historia conectada”. A partir de un estudio de caso concreto, el de las conexiones musicales entre los actuales territorios de México y Colombia durante los siglos XVI y XVII, se reflexiona sobre el modo en que este enfoque puede enriquecer la visión del periodo colonial, superando la rigidez de otros modelos teóricos. El texto se divide en cuatro secciones. En la primera se discute el marco cronológico y geográfico. La segunda parte se aproxima al proceso paralelo de institucionalización de la tradición musical occidental en Nueva España y Nueva Granada. La tercera sección analiza las analogías entre el universo musical aborigen colombo-mexicano desde la particular visión que transmitieron los primeros pobladores europeos. La cuarta parte se centra en el ámbito catedralicio y en los nexos musicales entre las catedrales de ambas regiones. Para ello, se conjuga la revisión de bibliografía previa con la documentación de archivo. Además de ampliar nuestro conocimiento sobre las conexiones entre dos espacios geográficos específicos, las conclusiones de este trabajo –entre ellas la existencia de conexiones musicales entre virreinatos– pueden resultar aplicables a otros territorios del continente más allá del marco cronológico y geográfico estudiado en este artículo.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/historia conectadasiglos XVI-XVII música colonialMéxicoNueva EspañaColombiaNueva Granadaconnected historysixteenth and seventeenth centuriescolonial musicHacia una 'historia conectada' de la música colonial latinoamericanaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2g29t9nj2022-11-21T20:59:09Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 2 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2g29t9njCitro, SilviaauthorCerletti, Adrianaauthor2022-01-01Analizamos “los cantos para dormir al bebé”, un “antiguo” género musical de las mujeres indígenas toba-qom del Chaco argentino, que no había sido estudiado hasta el presente. Examinamos las transformaciones de este canto, según sus diferentes contextos performativos: desde el ámbito doméstico en las comunidades indígenas hasta las grabaciones en CDs y los espectáculos para audiencias interculturales. Para esto último, nos centramos en el análisis comparativo de las versiones en vivo realizadas por Zunilda Méndez, una anciana cantante qom, y Charo Bogarin, una joven cantante mestiza vinculada a la música electrónica y pop. A través de este análisis, mostramos cómo un mismo canto, en tanto mantiene su estructura melódica y lírica distintiva, es objeto de diferentes procesos de hibridación cultural que abarcan tanto los aspectos sonoro-musicales como los visuales y corporales de las performances. Así, apreciamos la continuidad de algunos rasgos de la música qom a la vez que la exotización y la exclusión de otros, para de ese modo adaptarse a las sensibilidades estéticas hegemónicas en los mercados culturales globalizados. La diversidad de versiones muestra que, a pesar de la violencia de los procesos de colonización y también de aquellos de dominación masculina, los cantos de las mujeres qom siguen operando como complejos y dinámicos signos de identidades étnicas y de género, en diversos contextos y audiencias.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/música indígenagénerohibridación culturalchaco argentinoIndigenous musicgendercultural hybridityArgentine chacoDevenires del canto de las mujeres 'qom' del Chaco argentino: Del espacio doméstico indígena al espectáculo interculturalarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7968d90d2022-06-20T22:33:56Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7968d90dBuide, Fernandoauthor2022-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/David Ferreiro Carballo. Luis R. Brage Villar. Obra e memoria. Santiago de Compostela: Consello da Cultura Galega, 2020.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7v2798p72022-06-20T22:33:55Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7v2798p7Clark, Walter Aaronauthor2022-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Julia Esther García Manzano, Pedro Luengo, Francisco Martín-Quintero, and Israel Sánchez López, eds. El análisis musical actual: Marco teórico e interdisciplinariedad. Sevilla: Libargo Editorial, 2021.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3k3537n62022-06-20T22:33:54Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3k3537n6Albo, Francisco Javierauthor2022-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique Encabo, and Inmaculada Maitia Polo, eds. Copla, Ideología y Poder. Madrid: Dykinson, 2020.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9s12v82g2022-06-20T22:33:53Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9s12v82gHudde, Hermannauthor2022-01-01La literatura de América Latina tiene una antigua conexión con el género de la crónica. Sin embargo, los escritores latinoamericanos que trabajan en el género de la crónica contemporánea han comenzado a reescribir la historia para refutar las representaciones hechas por cronistas europeos o eurocéntricos y contribuir a la descolonización epistemológica del continente americano. ¿Por lo tanto, la pregunta que surge se refiere a si existen obras de música de concierto de compositores latinoamericanos actuales equivalentes a las crónicas contemporáneas latinoamericanas de la literatura? Así, el propósito del presente artículo es estudiar las interconexiones que relacionan la música de concierto latinoamericana con el género de la crónica literaria en América Latina a través de la teoría cultural latinoamericana y latinoamericanista. Desde esta perspectiva, este artículo se enfoca en la figura del compositor Miguel del Águila (Uruguay, 1957) y analiza tres de sus obras: TOCCATA op. 28 (1989), RETURN («Regreso») op. 66 (1999), y THE FALL OF CUZCO («La caída de Cuzco») op. 99 (2009). Como conclusión, se consigue identificar que la música, al igual que la literatura, reconstruye hechos, sujetos, ideas, afectos y se convierte en la referencia para la reescritura simbólica y subjetiva de la identidad y la memoria, lo cual genera nuevas propuestas de producción artística interdisciplinaria.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/américa latinatransculturacióntransmodernidadsemiosismemoriamúsica de concierto latin americatransculturationtransmodernitymemoryconcert musicReescritura, memoria y emociones: ¿Existe una crónica musical contemporánea del continente americano en la música de Miguel del Águila?articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7s4477mj2022-06-20T22:33:53Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7s4477mjMedrano Ruiz, SoniaauthorDíaz-Santana Garza, Luisauthor2022-01-01Este artículo pretende analizar algunos aspectos de las canciones recopiladas por F. Pichardo, así como su importancia en la historia de la investigación sobre la música popular mexicana. Entre otras cosas, preguntarnos cual fue el interés —además del económico— de la casa editora Wagner y Levien, al poner a disposición de pianistas, guitarristas y cantantes las canciones populares procedentes de la tradición oral, que se escucharon en los salones y escenarios, pero también en las calles, durante un período en el que la república mexicana trataba de presentarse como un territorio unitario, diverso culturalmente, pero con algunas características comunes, como lo fue específicamente el gusto por la canción mexicana. Algunos autores, como Juan S. Garrido y Rubén M. Campos, consideran que ésta fue precisamente la primera antología de la canción mexicana. Principalmente por medio de fuentes hemerográficas intentaremos contestar las preguntas: ¿Quién fue el recopilador de la colección? ¿Qué formas musicales representan los ritmos de las obras? ¿Cuál era su procedencia?https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/antología de canciones mexicanasmúsica popularfernando pichardoestudios culturalesanthology of mexican songspopular musicfernando pichardocultural studiesFormas musicales en la olvidada Colección de Cantos Populares de F. Pichardoarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2cw0w0kt2022-06-20T22:33:52Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2cw0w0ktBallesteros, Saraauthor2022-01-01Juan Crisóstomo de Arriaga compuso durante sus escasos veinte años de vida obras que escapan a lo común y aún no se han descifrado los orígenes del talento que le llevó a tales resultados. A través del cuarteto de cuerda, uno de los géneros que ha acompañado a Juan Crisóstomo en todas las etapas de su vida, el presente trabajo propone una vía alternativa a los estudios convencionales con la viola como elemento vehicular. Un análisis del balance de voces de sus cuartetos nos brindará información de las ideas transformistas de Arriaga en torno a este género y desmontará las principales hipótesis sobre su origen: la influencia de la escuela vienesa a través de la incidencia de Haydn en España y su posible replanteamiento del cuarteto de cuerda tras su etapa académica parisina. La existencia del Tema variado para cuarteto de cuerdas op.17, un cuarteto previo a su traslado a la capital francesa de construcción igualitaria y asignación de ciertas técnicas complejas a la viola, nos acerca un paso más hacia la comprensión de su forma de concebir la composición cuartetística y hasta qué punto excede a los estándares marcados por sus contemporáneos españoles, así como por sus referentes internacionales.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/juan crisóstomo arriagaviolacuartetoshaydncomposiciónmúsica instrumentalespañaquartetshaydncompositioninstrumental musicspainLa viola en el 'Tema variado para cuarteto de cuerdas op.17' (1820) de Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826): otra clave del misterioarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7gk031qm2022-06-20T22:33:51Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 7, no. 1 (Jan. 2022)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7gk031qmRojas Sahurie, Pabloauthor2022-01-01La hipótesis de este trabajo sostiene que la Nueva Canción Chilena no solo reprodujo, sino que participó en la construcción de una masculinidad hegemónica de izquierda en el contexto chileno de los sesenta y setenta, aun cuando en su seno llegaron a existir construcciones de género alternativas. Para fundamentar dicha hipótesis, el texto examina tanto la conformación como la performance masculinizada del movimiento, especialmente en lo que respecta a su propuesta vocal.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/construcción de géneromasculinidad hegemónica de izquierdamasculinidad performadanueva canción chilenaunidad popularvocalidadchilean new songgender constructionleft-wing hegemonic masculinityperformed masculinitypopular unityvocality¿La voz del hombre nuevo?: Masculinidad y Nueva Canción Chilenaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt5xc9j3572021-11-08T21:50:57Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/5xc9j357Wisch, Christineauthor2021-11-08https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Bellaviti, Sean. Música Típica: Cumbia and the Rise of Musical Nationalism in Panama. New York: Oxford University Press, 2020.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9h33k0bs2021-11-08T21:50:56Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9h33k0bsFrishkey, Amyauthor2021-11-08The encroachment of enclave tourism upon centuries-old villages of Afro-indigenous Garifuna along Honduras’s North Coast presents but one example of neoliberalism’s global ascendency during the 1990s. One way that the privatization of the commons materialized was in the commodification of “minority” cultural practices within nation-states -- what Charles Hale (2005) calls “neoliberal multiculturalism.” Mark Anderson (2013) observes that this “marketing of ethnicity produces the promise of inclusion at the potential price of cultural and territorial rights” (ibid.: 277-78). Garifuna cultural practices are pivotal to the promotion of Honduras as a tourist destination; however, visitors encounter visual art, costumes, music, and dance as forms of entertainment while remaining segregated from surrounding Garifuna communities. As a result, their market value is as “symbolic capital” which traffics in stereotypes and apolitical narratives (ibid.: 291).I argue that Garifuna music functions similarly as symbolic capital within the world music industry. I examine the success of Garifuna musical neo-traditionalism within this industry during the mid-aughts as contingent upon neoliberal marketing strategies akin to those implemented by the resorts built within Garifuna Central American coastal villages. Dale Chapman (2018) and Jay Hammond (2020) have noted a similar function for neo-traditionalism in present-day jazz scenes, whereby musicians mine past aesthetics and values for new forms of individual branding and new options for consumers. Moreover, the premium placed upon “timelessness” in these cases presents neo-traditional musical practices as a foil to musical styles too “untempered” and “common” (reminiscent of “the commons”) in comparison. Central to the story of Garifuna world music is its development as a preferred alternative to punta rock, which arose circa 1979 as a dance genre driven by youths soon realizing local punta and paranda rhythms on keyboards and drum machines. In contrast, the production of recordings by the Garifuna Collective and Aurelio Martinez from the early millennium until today—dominated by acoustic instruments and featuring time-tested, respected musicians steeped in traditional storytelling—takes a page from the Buena Vista Social Club phenomenon of the late 1990s to generate global esteem for Garifuna music and culture.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Afro-Latine/xAfro-indigenousGarifuna popular musicpunta rockparandaworld musicethnicity industriesneoliberal multiculturalismAndy PalacioStonetree RecordsThe Garifuna CollectiveAurelio MartinezAfro-indígenamúsica popular de GarífStanding the Test of Time: Neo–Traditionalism as Neoliberalism in Garifuna World Musicarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9n5031572021-11-08T21:50:55Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9n503157Bellaviti, Seanauthor2021-11-08By the early 20th century, Cuban danzones took firm hold in the rural communities that dotted Panama’s western littoral. In this context, sectional danzón compositional forms were combined with the open-ended cumbia song-forms to produce what rural Panamanians called “danzón-cumbias”—exceedingly popular musical hybrids that by the mid-20th century and on through the present time had come to dominate the sound of Panamanian cumbia. In this work, I provide an analysis of the key structural features of the danzón as it came to be fully integrated into Panamaian cumbia song-forms. I also discuss the impact that danzón had on contemporary Panamanian dance music.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/danzóncumbiaPanamaCubaaccordionmúsica típicaacordeónDanzón-Cumbia: Audible Legacies of Cuban Music in Panamanian Popular Musicarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1n84w2rn2021-11-08T21:50:55Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1n84w2rnSacolick, Robinauthor2021-11-08While attention to the provocative composer Maria de Baratta has increased in the past few years, mysteries about her past remain. Solutions inferred from available data remain uncertain. However, uncertainty itself, and the attendant multiple possibilities, are academically and scientifically supported by quantum theory, postcolonial and new materialist feminisms, ritual technologies like those depicted in de Baratta’s ballet Nahualismo, and known practices of some of the most vaunted artists of our time. Together, these disciplines bring understanding of Maria de Baratta and her ballet into a more multi-dimensional, thus more complete perspective. Paradoxes and quirks in her expressions of the indigenous culture of El Salvador (of which she was a descendant) emerge more as strategic preservation than appropriation.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/quantumritualballetnew materialismChicana feminismnahualismEl SalvadorCuzcatlángender studiesindigenous studiesindigenismonationalismperformativityKarlton HesterMaria de BarattaDemi LovatoGloria AnzaldúaChela SandovalnuMaria de Baratta’s 'Nahualismo' Revisited: Quantum Identity Politics, Crises, and Reconfigurationsarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9wb674b02021-11-08T21:50:54Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9wb674b0Campos Fonseca, Susanauthor2021-11-08El presente ensayo propone analizar, en el marco del bicentenario de la independencia de México y Centroamérica (1821-2021), cómo la composición musical y el diseño sonoro son utilizados como herramientas publicitarias para popularizar el imaginario que los grupos hegemónicos consideran pertinentes para cada nación. En su momento requirieron de la invención de la “música nacional”, ahora necesitan “audio branding” para la “marca país” que promocionan en el mercado empresarial transnacional. El análisis propuesto se realizará a partir de los estudios sonoros decoloniales, eligiendo obras costarricenses que conservan testimonios con el fin de examinar las contradicciones de los ideales nacionalistas, así como sus repercusiones en la vida cotidiana.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/composición musicalaudio brandingdiseño sonoronacionalismodecolonialidadestudios sonorosmarca paísCosta Ricamusic compositionaudio brandingsound designnationalismdecolonialitysound studiesnational brandingLos sonidos de Costa Rica 200 años después / The Sounds of Costa Rica 200 years laterarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4h48639k2021-11-08T21:50:53Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4h48639kGordillo Brockmann, Bernardauthor2021-11-07https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/On Shadows and Music History in Central Americaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4ms0d6s02021-11-08T21:50:52Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 3 (Nov. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4ms0d6s0Clark, Walter Aaronauthor2021-11-07https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/A Special Issue Dedicated to Central Americaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7c1345r82021-09-04T18:59:39Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7c1345r8Clark, Walter Aaronauthor2021-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Cárdenas, Mónica, pianist. "10 Preludes and Fugues of Latin America. Sonata Herencia." Tonada VP, 2021.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0gn030rj2021-09-04T18:59:38Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0gn030rjLuengo, Pedroauthor2021-01-01López-Fernández, Miguel. “Vicente Ripollés Pérez (1867–1943): Música en torno al Motu proprio para la catedral de Sevilla.” Volumenes 1 y 2. Estudio y edición de Miguel López-Fernández. Madrid: Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Editorial CSIC; Barcelona: Institución Milá y Fontanals, Departamento de Ciencias Históricas: Musicología, 2017; and López-Fernández, Miguel. “Vicente Ripollés Pérez (1867–1943). Música en torno al Motu proprio para la catedral de Sevilla. Volumen 2.” Obras para el oficio divino y otras piezas sacras. Madrid: Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC); Barcelona: Institución Milá y Fontanals, Departamento de Ciencias Históricas: Musicología, 2019.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/López-Fernández, Miguel. “Vicente Ripollés Pérez (1867–1943). Volumen 1 / 2. Misas.” Estudio y edición de Miguel López-Fernández. Madrid: Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Editorial CSIC, 2017 / 2019.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt87g054fx2021-09-04T18:59:36Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/87g054fxAlbo, Francisco Javierauthor2021-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/López-Cano, Rubén. "La música cuenta: Retórica, narratividad, dramaturgia, cuerpo y afectos (Music Tells: Rhetoric, Narrativity, Dramaturgy, Body, and Affects)." Barcelona: ESMUC, 2020.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt5ww3z0fm2021-09-04T18:59:35Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/5ww3z0fmSummers, William Johnauthor2021-01-01Utilizing the contemporary daily, Spanish-language newspapers surviving from the final three decades of 19th–century Manila, this study investigates the extensive activities of the eight regimental bands stationed in Manila, the Philippines. Even though these dailies served as powerful tools for the imposition of colonial subjugation and disenfranchisement on the indigenous Filipino population, they also reveal that the regimental bands were the most active musical ensembles during that era. This review of the papers began by chronicling the frequency of the many free, weekly, outdoor concerts that total more than 2,700 performances. A related goal was to identify as many of the musical pieces presented in band arrangements during these performances. The newspapers also published additional valuable articles that discuss a variety of unique or unusual events involving the regimental band’s contributions to major military maneuvers, special occasions of state in honor of the Royal Family, and a set of seven concerts performed on consecutive days by one band during a major, religious feast.The dailies also permit us to follow the work of the bands during a period of crisis and some danger. From August 1896 to December 1897, the Spanish Military was engaged in a war with Filipino insurrectionists fighting for independence. The Military command responded to this threat in two ways that affected the bands. The first was the creation of a new regiment of indigenous-heritage soldiers to protect the capital from invasion by their countrymen. That new regiment, The Loyal Volunteers, also had a new band attached to it. Like all the bands, this new one was made up entirely of Filipino men. A second response affecting all of the bands was the order for the Band Masters to include in their public concerts a steady stream of newly composed works promoting the Spanish propaganda opposing the war. Though the revolt was ended with a peace treaty in late December 1897, just four months later, on 1 May, the fate of the Spanish colony was sealed when the U.S. armed forces invaded the Philippines. As the Spanish Military regiments exited the country, the work of the bands ended. A new period of brutal colonial subjugation of the Filipino people had commenced.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/PhilippinesManilaSpanish colonialismmilitary bandnineteenth centuryreligious festivalsPhilippine RevolutionEdi RemenyiBefore Their Music Stopped: Manila’s Spanish Military Regimental Bands at the End of the 19th Centuryarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt6652z4862021-09-04T18:59:34Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/6652z486Díaz-Santana Garza, Luisauthor2021-01-01This article aims to analyze the cultural “structures and practices” that Mexico inherited from the Second Mexican Empire, particularly in the field of arts and music, trying to be a counterbalance to the black legend that weighs on this stage of our history. My proposal is that many of the ideas brought to the country by the emperor —the Habsburg-Lorena Archduke Ferdinand Maximilian— are still in use today.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Mexicosecond mexican empirenineteenth centurymaximilian Iwar of reformsegundo imperio mexicanosiglo XIXmaximiliano Iguerra de reforma"Los vivas eran oídos a lo lejos entre el estruendo de las bandas militares": The Promotion of Music during the Second Mexican Empirearticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt16f7q9pq2021-09-04T18:59:33Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/16f7q9pqBarrios Castellanos, Carlos Andrésauthor2021-01-01El presente artículo analiza la forma en la que el compositor colombiano Silvio Martínez utiliza el formato de Cuarteto de guitarras en sus cuatro piezas para este formato: Para Jova; Para Horacio, Serenata Campesina y Luz Mary, sentando un precedente en la música andina colombiana vista desde un formato con una tradición relativamente joven y explorando a profundidad las posibilidades instrumentales del conjunto. Busca establecer los roles que el compositor asigna a cada una de las guitarras a lo largo de las 4 piezas, concentrándose en la utilización del ritmo como un elemento que diferencia, une, refuerza o responde a cada una de las ideas musicales que se expresan dentro de un contexto sonoro que mantiene una sonoridad armónica y melódica dentro de la tradición de la música de la zona andina colombiana.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/ColombiafolclorbambucopasillodanzaguabinaguitarracuartetoSilvio MartínezAndean musicfolklorebambucopasilloguitarquartetSilvio Martínez: Una mirada a la música andina colombiana desde el Cuarteto de Guitarrasarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt101637p82021-09-04T18:59:32Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/101637p8Monteiro Neto, Antonio CamposauthorHazan, Marcelo Camposauthor2021-01-01A fatalidade da pobreza e do martírio é um pressuposto básico às narrativas do “grande compositor”. Ilustrativo é o caso do mestre de capela afro-brasileiro Padre José Maurício Nunes Garcia (1767-1830). Os estudiosos insistem que José Maurício morreu em extrema pobreza, vítima de intrigas palacianas e rivalidades profissionais. Neste trabalho, argumentamos que, embora seja certo que o compositor enfrentou dificuldades financeiras durante a maior parte de sua vida, a causa fundamental não resultou de suas circunstâncias profissionais, mas antes de sua situação familiar. Sacerdote católico ordenado, é notório que teve ao menos seis filhos, com uma ou mais concubinas. Ao avaliar suas múltiplas fontes de renda e ao examinar as implicações financeiras e legais de sua situação concubinária, o presente trabalho vem contestar o conhecimento convencional acerca dos problemas econômicos do compositor.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/José Maurício Nunes GarciaBrasilIgreja CatólicacompositorbiografiaBrazilCatholic Churchcomposerbiography“Ó! Rigor duro da Lei”: A miséria e a paixão do Padre José Maurício Nunes Garcia (1767-1830)articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt390513782021-09-04T18:59:30Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 2 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/39051378García-Peinazo, Diegoauthor2021-01-01Este trabajo examina la figura del cantautor Carlos Cano y su primer LP A duras penas (Gong-Movieplay, 1976) desde la perspectiva del análisis de la canción grabada, entendiendo los diferentes tracks del disco como espacios para la articulación de discursos y prácticas sociopolíticas a través de lo sonoro en el contexto de la Andalucía de la Transición. Tras una conceptualización de la “nueva canción andaluza”, se presenta un enfoque analítico que pone en diálogo fuentes fonográficas y hemerográficas (especialmente, referencias en revistas culturales y políticas andaluzas, y otras publicaciones periódicas estatales de los setenta). Por un lado, se estudian las relaciones entre vocalidad y ambiente persónico, para lo cual se toma en consideración la tripartición de la voz -performer, persona y protagonist- y la noción de personic environment en la canción popular grabada (Moore, 2012). Por otro lado, sirviéndonos del modelo de análisis desde la transfonografía propuesto por Lacasse (2018), se atiende a la construcción, en torno al álbum A duras penas, de filiaciones identitarias de tipo cultural, social y político con otras latitudes y géneros musicales, tales como el rock o la nueva canción chilena. Este artículo, que otorga centralidad al componente sonoro grabado en su resignificación del texto cantado, tiene como fin último profundizar en las estrategias musicales de la canción grabada como parte de un proceso comunicativo del cantautor en relación con las dinámicas sociales, culturales y políticas de la Andalucía de la Transición, marcadas por la emigración, la pobreza, el subdesarrollo estructural y las reivindicaciones autonómicas.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/canción popular grabadacantautorestransfonografíacanción de protesta socialnueva cancióntransición españolademocraciaEspañaAndalucíarecorded popular songsinger-songwritertransphonographyprotest songnew songSpanish TransitiondCarlos Cano, voz capturada en una Andalucía A duras penas (1976). Canción de protesta social, ambiente persónico e identidades transfonográficas en la Transición españolaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt367287xg2020-12-10T17:42:50Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/367287xgClark, Walter Aaronauthor2021-01-01Encabo, Enrique, ed. Miradas sobre el cuplé en España: identidades, contextos, artistas y repertorios. Colección Música Hispana Textos, no. 23. Estudios. Madrid: ICCMU, 2019; Pessarrodona, Aurèlia. Jacinto Valledor (1744
-
1809). Tonadillas, volumen 1: Obras del periodo 1768
-
1778. Series: Monumentos de la Música Española, LXXXIV. Barcelona: Consejo Superior de Investigaciones Científicas, 2019; Ortega Castejón, José Francisco, Luis Soler Guevara, Rafael Ruiz García, and Antonio Gómez Alarcón. Malagueñas, creadores y estilos. Murcia: Universidad de Murcia; Málaga: Universidad de Málaga, 2019; Parralejo Masa, Francisco. El músico como intelectual: Adolfo Salazar y la creación del discurso de la vanguardia musical española (1914
-
1936). Madrid: Sociedad Española de Musicología, 2019; and Vega Pichaco, Belén, Elsa Calero Carramolino, and Gemma Pérez Zalduondo, eds. Puentes sonoros y coreográficos durante el franquismo: Imaginarios, intercambios
y propaganda en clave internacional. Granada: Editorial Libargo, 2019.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/spainmusicologybook reviewReview of Five Books from Spainarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0r56j2852020-12-10T17:42:49Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0r56j285Ramos-Kittrell, Jesúsauthor2021-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Marín López, Javier, ed. "Músicas coloniales a debate. Procesos de intercambio euroamericanos." Madrid: Instituto Complutense de Ciencias Musicales, 2019.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt39f0q7ww2020-12-10T17:42:48Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/39f0q7wwMedrano Ruiz, Soniaauthor2021-01-01La hemerografía del siglo XIX muestra al bandolón como un instrumento musical de uso cotidiano en México y, acompañando a un instrumento melódico, se convirtió en el referente sonoro de espacios abiertos, plazas, cantinas y paseos en el campo. Hacia las últimas décadas de la centuria su uso fue transformado, y notamos su presencia en los escenarios de concierto, por lo que propongo que su percepción se modificó, siendo considerado como un instrumento representativo del nacionalismo, lo cual trataré de demostrar en el presente artículo.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Méxicomúsica tradicionalfolkloreinstrumentos musicalesmúsica popularbandolóntraditional musicmusical instrumentspopular music“El Bandolón”…instrumento emblemático del México independientearticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9j35z3w52020-12-10T17:42:47Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9j35z3w5Valverde Flores, Tamaraauthor2021-01-01Joaquín Nin Castellanos fue uno de los intérpretes más emblemáticos en el contexto musical hispano-francés de principios del siglo XX. El pianista construyó una distinguida imagen pública que trasladó también a sus conciertos de música antigua, donde cada elemento era deliberado y coreografiado. En este artículo nos centraremos en la construcción del perfil público de Joaquín Nin, su gestualidad interpretativa y la puesta en escena de sus recitales, para contribuir a esclarecer su personalidad artística y el brillante uso que hizo de la esfera musical parisina para establecer rápidamente su carrera. Para ello, analizaremos la rica iconografía que se conserva del músico, la cual revela a un atildado pianista con un aura aristocrática que conservó durante toda su trayectoria. Acudiremos también a los testimonios hemerográficos de la época que aludieron a la elegancia del pianista en sus interpretaciones, los cuales nos servirán para complementar el perfil visual y artístico del personaje.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Joaquín Nin Castellanossiglo XXbiografíaSpainWanda Landowskatwentieth centurybiographyConstruyendo a Joaquín Nin Castellanosarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8s1755k12020-12-10T17:42:47Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8s1755k1Ordiñana Gil, Maríaauthor2021-01-01Enrique Granados ha sido considerado un icono español, un referente de la primera generación modernista surgida a partir de la segunda mitad del siglo XIX. La valorización positiva del folclore y de la historia de la música, así como su voluntad de internacionalización se muestran en la primera de sus obras maestras: Danzas españolas. A través de la Danza nº 7 «Valenciana» el presente artículo se propone ahondar en el conocimiento de Granados sobre la música popular tradicional valenciana y el tratamiento de sus melodías y rasgos distintivos. Asimismo, se pretende dilucidar los vínculos –profesionales y personales– que el compositor tuvo con Valencia a partir de las relaciones con la familia Gal-Lloveras y con el crítico, periodista y compositor Eduardo López-Chavarri Marco.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique Granadosdanzas españolasfolcloreValenciamodernismonacionalismoSpanish dancesfolkloremodernismnationalismHomenaje de Enrique Granados al cant d’estil: Danza Nº 7 «Valenciana»articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8jz154pn2020-12-10T17:42:46Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8jz154pnBarrón Corvera, Jorgeauthor2021-01-01El presente artículo explora aspectos históricos y analíticos del Cuarteto de cuerdas (1936) de Manuel M. Ponce. La obra, enérgica y de gran escala, mezcla orientaciones nacionalistas con técnicas modernas que el compositor desarrolló durante su estancia en París (1925–1933). Se posiciona entre las piezas más ambiciosas de Ponce y como una importante contribución a la escena de la música mexicana de cámara.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Manuel M. PoncePaul DukasMéxicocuarteto de cuerdasmúsica de cámarastring quartetchamber music"Cuarteto de cuerdas" de Manuel M. Ponce dedicado a Paul Dukasarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt71f355xh2020-12-10T17:42:45Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 6, no. 1 (Jan. 2021)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/71f355xhÁlvarez Meneses, Rogelioauthor2021-01-01Este artículo aborda los principales aspectos relacionados con la única obra para piano y orquesta de Ricardo Castro, que a su vez constituye el primer concierto para piano escrito por un compositor mexicano. Además de su significación histórica, la obra tiene un valor musical inmanente por su refinado pianismo y estilo que responden al canon europeo finisecular. Una vez reseñada la trayectoria vital de su autor, se relata el proceso compositivo de la obra, su estreno y su recepción. El grueso del trabajo es un análisis musical realizado a profundidad que no se centra únicamente en aspectos formales, sino que contempla otros elementos propios del lenguaje pianístico. Finalmente se plantean algunas reflexiones en torno a estos repertorios: su ponderación a la luz de la ideología del siglo XX y la posición que ocupan en la historia de la música mexicana.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Ricardo Castroromanticismo mexicanomúsica de conciertonacionalismocrítica musicalMexican romanticismconcert repertoirenationalismmusic criticismEl Concierto para piano, Op. 22 (1904) de Ricardo Castro (1864-1907): contextualización histórica y aproximación analíticaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9031p74m2020-10-02T00:53:05Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9031p74mAlbo, F. Javierauthor2020-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Samper, Baltasar. "Música de Jazz. Conferències de 1935." Antoni Pizà and Francesc Vicens, editors. Palma de Mallorca, Spain: Lleonard Muntaner, 2019articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8xx0x1sw2020-10-02T00:53:04Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8xx0x1swBaggenstoss, Julieauthor2020-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Goldberg, K. Meira. "Sonidos Negros: On the Blackness of Flamenco." New York: Oxford University Press, 2019.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt5dq9z93m2020-10-02T00:53:03Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/5dq9z93mNocilli, Ceceliaauthor2020-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Goldberg, K. Meira, Walter Aaron Clark, and Antoni Pizà, eds. "Transatlantic Malagueñas and Zapateados in Music, Song and Dance: Spaniards, Natives, Africans, Roma." Newscastle upon Tyne, United Kingdom: Cambridge Scholars Publishing, 2019.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7gn7d1ng2020-10-02T00:53:02Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7gn7d1ngBarrón Corvera, Jorgeauthor2020-01-01A professor at The Juilliard School since 1986, Zyman is one of Mexico’s foremost composers of today. His cello concerto (1990) exhibits solid technique, intense expression, and effective interaction between soloist and orchestra. The author demonstrates much stylistic and formal freedom. His opus mixes both antique and modern references within traditional instrumental usage and prevailing neomodal flair. One outstanding feature is the full exploitation of a basic melody to generate an interrelated musical idiom that reveals both unity and variety. The appendix contains an interview with the Mexican artist.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Samuel ZymanMexican composersConcerto for violoncello and orchestracompositores mexicanosconcierto para violonchelo y orquestaSamuel Zyman’s "Concerto for Cello and Orchestra": An Analytical Approacharticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt6tr8b0v32020-10-02T00:53:01Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/6tr8b0v3Caicedo, Patriciaauthor2020-01-01The existence of the Internet has revolutionized the music industry, forever changing its forms of participation and promotion. As a result, the space of execution-promotion of music is expanded to include the virtual world, being able to reach com-munities that share similar interests or common identity traits at a global level. This situation is presented as an opportunity for little known repertoire, such as the Latin American and Iberian art song. Based on the experiences with Internet2, which occurred at the Barcelona Festival of Song, the article explores concepts such as the real, the virtual, and the interspace. It analyzes how the interactions produced in these spaces affect our identity, either as musicians or as consumers of music. This new scenario demands that educational institutions train musicians to develop new ways of being a musician and of making music, mediated by technology.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Internet2Latin American art songBarcelona Festival of Songmusic educationonline educationcanción artística latinoamericanaeducación musicaleducación digitalNew Ways of Making Music and Being a Musician in the Digital Eraarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3c37v9902020-10-02T00:53:00Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3c37v990Díaz-Santana Garza, Luisauthor2020-01-01Este artículo pretende dar cuenta de la difusión de la guitarra en todos los estratos sociales, por medio de las publicaciones periódicas y los escritores en el México del siglo XIX. Basado en la historia cultural, se analizan factores relacionados con la percepción social del instrumento, y las categorías en las que fue ubicado por los cronistas de la época, destacando su relación con la cultura mexicana. Mi propuesta es que la guitarra se convirtió en un símbolo de identidad y del incipiente nacionalismo.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/guitarranacionalismoestudios culturalesestudios fronterizosguitarnationalismcultural studiesMexico-U.S. border studiesLa percepción de la guitarra en las ediciones mexicanas: Desde finales del virreinato al siglo de independenciaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2vt7s8432020-10-02T00:52:59Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2vt7s843Koslowsky Schmidt, Kathrynauthor2020-01-01Enrique Granados’s monumental piano suite Goyescas is widely acknowledged as an important work in the piano-repertoire canon but is infrequently programmed in recitals. One obstacle to its inclusion is that relatively little is known by the pianistic community about its narrative elements. Like similar works that contain strong narratives, such as Mussorgsky’s Pictures at an Exhibition or Schumann’s Carnaval, Goyescas holds great potential because of its musical variety, its inspired writing, and because it is exciting for musicians to convey extra-musical ideas to an audience in a way that “tells a story.” The 6 movements of Goyescas are not only narrative vignettes but also part of a larger arc that holds the listener’s attention in the same way as an opera; Goyescas is, quite simply, a story. A narrative approach is applied here in order to enhance the meaning of Goyescas for performers as well as appreciators, and perhaps will result in an increased receptiveness to the inclusion of this work in the modern recital program.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique GranadosGoyescasFrancisco GoyaIberiaThe Narrative Imperative of Granados’s "Goyescas"articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3mv7f28q2020-10-02T00:52:58Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 2 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3mv7f28qGarcía Álvarez de la Villa, Beatrizauthor2020-01-01En 1871, en medio de los debates sobre el establecimiento de la ópera española, Guillermo Morphy, el Conde de Morphy, publica un artículo de fondo en el que acomete un modelo de drama lírico nacional vinculado a la tradición musical centroeuropea. Su proposición constituye un paso adelante hacia el drama lírico moderno que otorgara a España un sitio en la escena musical europea. Este trabajo recupera el movimiento de renovación dentro del nacionalismo musical liderado por el Conde de Morphy durante la Restauración borbónica, con importantes avances en la escena culta musical española. Con este propósito, nos aproximamos a la actividad regeneracionista y crítica musical de Morphy y su influencia en aquellos compositores que estuvieron más unidos a su figura como Tomás Bretón, Pablo Casals e Isaac Albéniz, poniendo el foco de atención en la cuestión de la ópera española como señal de identidad nacional. Recogemos asimismo una relación de los artículos publicados por Morphy en la prensa.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/drama líricoópera españolanacionalismocrítica musicalGuillermo MorphyTomás BretónIsaac AlbénizPablo Casalslyrical dramaSpanish operanationalismmusical criticismActividad y crítica musical de Guillermo Morphy durante la Restauración borbónica: su modelo de drama lírico nacionalarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2zf599wk2020-04-24T17:04:53Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 1 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2zf599wkClark, Walter Aaronauthor2019-01-01Granados is best known to opera-goers as the composer of the musically enchanting (if dramatically lackluster) Goyescas, a work derived from his eponymous piano suite, both compositions having been inspired by the art and epoch of the great Spanish painter Francisco de Goya (1746–1828). However, conspicuous by a lengthy absence has been his other Spanish opera, María del Carmen (1898), the stagework the composer himself esteemed most. This is the opera for which Granados should be famous. The fact that it is not poses several questions. Why did this opera languish in obscurity for decades, being revived only in 2003—outside of Spain—and then in a revision of uncertain faithfulness to the composer’s intentions? Indeed, is this the work that Granados originally conceived? If not, where is Granados’s original score? And why should we care? What significance, if any, does this opera have in the history of Spanish music, culture, and even politics? The following paragraphs present the answers to these questions.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/EnriqueEduardoand Víctor GranadosMaría del CarmenJosep Feliu i CodinaNathaniel ShilkretMaría del Carmen: Birth, Death, and Resurrection of Enrique Granados’s Operatic chef d’oeuvrearticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1j07g6n62020-04-24T17:04:52Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 1 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1j07g6n6Encabo, Enriqueauthor2019-01-01La recepción musical es un fenómeno que responde a una complejidad que sobrepasa con mucho la partitura. La clásica tripartición de Merriam es especialmente útil para comprender la afición musical en una época en la que el sonido no puede desvincularse de ningún modo de la carga ideológica y simbólica atribuida, que se traduce en un concepto y, sobre todo, en un comportamiento determinado hacia “una” música concreta. Bajo estas premisas pretendemos comprender la recepción en la ciudad de Murcia de la obra de Enrique Granados -desconocido para el público murciano hasta la creación de María del Carmen (1898), y, a raíz de la ópera de ambientación huertana, asumido como “propio”- tras el fallecimiento del compositor.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/GranadosMurciarecepción musicalsiglo XXnacionalismoLa fuerza del regionalismo: Recepción de la obra de Enrique Granados en la ciudad de Murcia (1916–1922)articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt33k533pv2020-04-24T17:04:51Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 1 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/33k533pvRoquer, JordiauthorMonasterio, ÁngelauthorRódenas, Joaquínauthor2019-01-01This article examines the presence of Enrique Granados’s music in the Spanish pianola market, both for metronomic and reproducing rolls. The analyzed material comes from several digitization and cataloging projects carried out by the Musicology Department Research Group at the Universitat Autònoma de Barcelona. These projects include the study of the main Spanish collections, such as the National Library of Spain (2016), the Music Museum of Barcelona (2014), the National Library of Catalunya (2012) and several private collections, which started in 2017 and are still in progress at the moment. The quantitative analysis on the volume of works by Granados published by the main companies in the sector, allows us to learn about the presence of the Catalan composer in a music market, now practically forgotten, that had a massive impact during the beginning of the twentieth century. On the other hand, by comparing these data from the catalogs with the results of our research on institutional and private collections, we can venture some aspects about the relationship between supply and demand in this particular context. What we present is, therefore, a first approach to the Iberian market of the pianola focusing on the figure of one of its central composers.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique Granadosplayer pianopianola rollsreproducing piano rollsGranados through the Rolls: The Presence of Enrique Granados in the Spanish Pianola Marketarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0q17964x2020-04-24T17:04:50Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 1 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0q17964xGallego Cañellas, Eugeniaauthor2019-01-01La relación entre Enrique Granados y Antonio Noguera se inició mediante correspondencia epistolar en el año 1893, gracias a la intervención de Felipe Pedrell, maestro de ambos compositores y figura esencial que incidió activamente en su relación. El interés de Noguera por el compositor catalán hizo que asumiera su estilo compositivo como referente, que publicitara su obra en la prensa mallorquina, y que lo considerara como miembro activo de los insensatos, aquella nueva generación de literatos e intelectuales, que a partir del modelo del movimiento catalán, siguieron criterios modernistas y regionalistas en la isla a finales del siglo XIX. Cabe destacar que Granados viajó por primera vez a Mallorca en 1896 para realizar un concierto en la sociedad Círculo Mallorquín, gracias a las gestiones realizadas por Noguera, regresando a los pocos meses junto al Cuarteto Crickboom para ofrecer los llamados Conciertos clásicos. A partir de ese momento, la relación Granados-Noguera se intensificó volviéndose más estrecha. Enrique Granados se trasladó sistemáticamente a la isla hasta en ocho ocasiones documentadas para participar en los conciertos organizados por Noguera, llegando incluso a dirigir el concierto-homenaje al compositor mallorquín tras su muerte en 1904. Este artículo pretende realizar una primera aproximación a la relación entre Enrique Granados y Antonio Noguera, crítico, folclorista y compositor mallorquín, analizar su influencia en los conciertos ofrecidos por el catalán en la Mallorca finisecular y examinar la repercusión de la figura y la obra de Granados tras dichos conciertos.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique Granados y Antonio Noguera: Dos músicos «insensatos» en la Mallorca finiseculararticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8qg3d17n2020-04-24T17:04:49Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 1 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8qg3d17nMariño, Borjaauthor2019-01-01María del Carmen se estrena en el eje del cambio de siglo, el 12 de noviembre de 1898, en una época crucial en cuanto al cambio de modelos e ideales del país. La ópera española libra su batalla particular en diversos frentes y Granados, en su primera obra lírica estrenada, decide apostar por esta baza renovadora. La pieza causará tanta admiración como desconcierto, por sus cualidades estructurales y renovadoras, y partiendo desde el análisis de su fuente original, la partitura del estreno de 1898 (recientemente rescatada por Walter Aaron Clark de un coleccionista privado) nos permite confirmar el tratamiento formal de la ópera, cercano al de la Giovane Scuola italiana. Se ratifica, por tanto, su consideración como obra moderna, y así nos permite rastrear las influencias contemporáneas que actúan sobre su composición.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/El tratamiento temático en María del Carmen: Un acercamiento al verismo españolarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt7dc573xt2020-04-24T17:04:48Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 1 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/7dc573xtClark, Walter Aaronauthor2019-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/conferencegranadosspainmusicologymusic historyCongreso Internacional en Ocasión de María Del Carmen: Enrique Granados y Su Épocaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt9t77q1r72020-04-24T17:04:34Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 2 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/9t77q1r7Lopéz Ruiz, Luisauthor2019-01-01El presente artículo plantea una metodología analítica para el estudio de la música vocal religiosa en el ámbito hispano de finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX, utilizando la terminología y procedimientos compositivos explicados por la teoría musical española de la época así como elementos de la teoría actual de tópicos musicales con el fin de identificar mecanismos estructurales y expresivos por los cuales la música transmite el significado y los afectos del texto litúrgico. El método se aplica al Te Deum compuesto en 1814 por el compositor español José Lidón (1748-1827), maestro de la Real Capilla de Madrid, para el retorno del rey Fernando VII. Los resultados del estudio indican no solo la manera de expresar el contenido del texto, sino la posible presencia de la manifestación de la incertidumbre política del momento.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/José LidónTe Deumanálisis músicalteoría musical españolabajo fundamentaltópicos musicalesmusical analysisSpanish music theoryfundamental bassmusical topicsUn modelo analítico para la música vocal religiosa hispana: Estructura y expresión en el Te Deum (1814) de José Lidónarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt49c6961k2020-04-24T17:04:33Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 2 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/49c6961kOrringer, Nelson R.author2019-01-01Esta nota se vale de un cuaderno inédito de apuntes redactados por el valenciano Eduardo López-Chávarri, compositor, educador, escritor y musicólogo, junto con artículos periodísticos de noviembre de 1928 y después sobre el encuentro de Maurice Ravel con Valencia. Ravel llegó a Valencia el 16 noviembre y permaneció hasta el día 18, dando un concierto la noche del 17. Estos documentos dan fe de la importancia en la historia cultural de la ciudad de la visita del compositor francés, entonces el más prestigioso de Europa. El mismo Ravel estimó su estancia en Valencia como lo mejor de su extenso giro por la Península.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Ravelmodernismo musicalValenciamusical modernismSpainLa estancia de Maurice Ravel en la comunidad musical de Valenciaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0dx374812020-04-24T17:04:32Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 2 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0dx37481Martín Sáez, Danielauthor2019-01-01En este artículo presentamos más de trescientas noticias de prensa dedicadas a Farinelli en más de sesenta periódicos británicos y americanos, todos ellos publicados entre 1732 y finales del siglo XVIII, que nos servirán para comprender la apoteosis de Farinelli y su consolidación como la primera superestrella internacional de la historia. Para ello nos centraremos en las noticias dedicadas a su estancia en España, esencialmente marcadas por los conflictos diplomáticos entre Madrid y Londres, como la Guerra del Asiento y la caída del marqués de la Ensenada. El paso de Farinelli por Inglaterra fue esencial para iniciar este fenómeno, pero su apoteosis no se comprende sin el famoso «mito de entrada» en torno a Felipe V y los festejos de Fernando VI dirigidos por el cantante. Así lo reflejan también las primeras obras teatrales inglesas en las que aparece Farinelli en escena, no por casualidad inspiradas en su estancia en Madrid, como ocurrirá después con la historiografía inglesa, acogida a su vez por la prensa y por nuevas obras de teatro, en un proceso mitopoyético que no ha cesado hasta nuestros días.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/FarinelliEspañaprensaGran Bretañasiglo XVIIISpainGreat Britain18th CenturyLa apoteosis de Farinelli en España: el mito de la superestrella a través de la prensa británica del siglo XVIIIarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt23g476nv2020-04-24T17:04:30Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 2 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/23g476nvHess, Carol A.author2019-01-01This essay considers the hotly debated U.S. border and its relationship to music historiography vis-à-vis the unconventional career of Gilbert Chase (1906-92), the first U.S. musicologist to take seriously the music of the Spanish-speaking world. I draw on his papers, housed at the New York Public Library for the Performing Arts, to suggest that little-known facts of Chase’s scholarly perspectives can give us food for thought in the fraught present. Central here are two visions of “American music,” both rooted in politics. One, the concept of “Greater America,” dates from the 1920s through World War II and informed Chase’s scholarly vision early on. Another vision, one that effectively reinforced U.S. superpower status, grew out of the Cold War. Paradoxically, it is Greater America, which Chase abruptly abandoned—as did U.S. society at large—that holds out the greatest promise today.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/cultural diplomacyhistoriographyGilbert ChaseradioGood Neighbor PolicyCold Wardiplomacia culturalhistoriografíaGilbert ChaseradioPolítica del Buen VecinoGuerra FríaFrom “Greater America” to America’s Music: Gilbert Chase and the Historiography of Bordersarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1673z6wk2020-04-24T17:04:30Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 4, no. 2 (Jan. 2019)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1673z6wkAurèlia, Pessarrodona Pérezauthor2019-01-01En este artículo se usa el concepto de “cuerpo cantante” para estudiar el cuerpo del cantante como creador de significados en el escenario, tanto performativos (vocales, gestuales) como de configuración de identidades (personajes, género, su propio carisma, etc.), y cómo aparecen en las obras musicales del pasado. Para estudiarlo se han escogido las seis tonadillas a solo compuestas para el actor Miguel Garrido que se localizan en la Biblioteca Histórica Municipal de Madrid. La razón de esta elección es doble. Por una parte, el éxito de Garrido como gracioso de compañía fue tal que estas obras permiten analizar cómo un cuerpo cantante tan específico como él pudo influir en la composición de su repertorio. Y, por otra parte, estas seis piezas para Garrido representan una rara excepción en un subgénero como el de la tonadilla a solo, interpretado principalmente por mujeres. La metodología usada para estudiar la presencia del cuerpo cantante en estas seis tonadillas a solo para Garrido parte de un marco teórico especialmente original e innovador: la semiótica del cuerpo de Jacques Fontanille, explicada en su libro Soma et Sema (2004), y su versión musical desarrollada por Eero Tarasti dentro de su semiótica existencial (Semiotics of Classical Music, 2012).https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/tonadillacuerpo cantanteMiguel Garridosemióticasiglo XVIIItonadillasinging bodyMiguel Garridosemioticseighteenth centuryEl cuerpo cantante en las tonadillas a solo para Miguel Garridoarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2036x4sx2020-04-24T17:03:50Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 1 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2036x4sxMorelló Broseta, Vicentauthor2020-01-01La inspiración en el folclore ha sido una constante en la historia de la música. Dedicatoria de Federico Moreno Torroba da pie a descubrir las relaciones intertextuales con el folclore andaluz, otras obras suyas y de otros compositores. Dedicatoria sirve de ejemplo para compararla con otras obras similares que se inspiran en el folclore y que sirven para relacionarlas intertextualmente en el uso del folclore como inspiración, el tratamiento formal y armónico. Contextualizada esta obra dentro del nacionalismo español, se analizan los principios estéticos e ideológicos del compositor en su manifiesto sobre Casticismo influido principalmente por Unamuno. Se estudia como el compositor sigue la línea compositiva trazada por Pedrell y sus discípulos con Falla a la cabeza utilizando armonías, formas, ritmos y colores modales como el frigio en sus composiciones, integrándose dentro del estilo nacionalista. La identificación de los procedimientos intertextuales se han basado básicamente en lo aportado por M. L. Klein, identificándose relaciones intertextuales que son básicamente citas, alusiones, como intertextualidad poiética,
influencia y otros procedimientos con el folclore, con obras propias para guitarra y zarzuelas, con obras de otros compositores y con Falla.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Federico Moreno TorrobafolclorenacionalismoneoclasicismointertextualidadcasticismozarzuelafolklorenationalismneoclassicismintertextualitycasticismoIntertextualidad entre el folclore andaluz, "Dedicatoria" y otras obras de Federico Moreno Torrobaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt32c8c4xt2020-04-24T17:03:49Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 1 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/32c8c4xtVasconcelos Neto, Agenor Cavalcantiauthor2020-01-01A ideia deste artigo é discutir a afirmação que surgiu durante o trabalho de campo desenvolvido entre músicos populares indígenas do Noroeste Amazônico brasileiro: todo instrumento musical possui “alma”. A partir dessa afirmação, busca-se desenvolver relatos etnográficos para sustentar que na prática da música popular entre os Yepá-mahsã, os instrumentos musicais são percebidos como “pessoas” (não-humanas). Desse modo, a música kuximawara do Noroeste Amazônico constitui uma cena fértil para o pensamento e prática indígena, especialmente no que se refere à música ritual do cotidiano. Para a reflexão, expõe-se um pequeno conjunto de dados etnográficos no qual exemplos descritivos apresentados pelos interlocutores demonstram como a música popular articula conceitos e práticas do pensamento indígena do povo Yepá-mahsã. Esses exemplos buscam evidenciar como os instrumentos musicais “estrangeiros” são concebidos por meio da cosmologia indígena e se relacionam com a origem dos “instrumentos sagrados”. Reflito, inversamente, como a ideia de um instrumento “moderno” como a guitarra foi, pouco a pouco, descontruindo-se para que eu compreendesse que, a partir da lógica Yepá-mahsã, todos os instrumentos musicais do mundo eram resultantes da ação dos deuses em um passado mitológico.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Yepá-mahsãKuximawaraBahsamoriBiisiuJuruparyBrazilMúsica kuximawara entre os povos indígenas do Noroeste Amazônico: a ética-estética de Jurupary/Biisiu aplicada à música populararticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt79r450pw2020-04-24T17:03:48Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 1 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/79r450pwBarrios Castellanos, Carlos Andrésauthor2020-01-01Con este artículo se busca precisar algunas de las convencionalidades interpretativas que se identificaron durante el montaje de 6 piezas para guitarra solista del maestro Gentil Montaña escritas en ritmo de bambuco (de sus 5 Suites y la primera de sus 3 Fantasías), con el fin de compartir algunas de las visiones estéticas que tuvo el compositor para con el género y trazando una línea guía que pueda funcionar para una interpretación que convenga a cada una de las piezas teniendo en cuenta los diferentes tipos de bambuco que se pudieron observar durante el trabajo y, por supuesto, los gestos propios del compositor. Debido a que los intentos por mejorar cualquier interpretación de música folclórica se quedarían cortos sin un acercamiento directo con la cultura de la cual proviene, en este trabajo se buscan las diferencias existentes dentro del grupo de piezas, según gestos enmarcados en subgéneros que tienen que ver con la ubicación geográfica, época e influencias, en los que se pudo inspirar el compositor para la escritura del bambuco en guitarra solista.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Música colombianafolclorbambucoguitarraGentil MontañaColombian musicfolkloreguitarEntre los Bambucos de Gentil Montañaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt83b8z44x2020-04-24T17:03:47Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 1 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/83b8z44xGordillo Brockmann, Bernardauthor2020-01-01Toward the end of a protracted U.S.-American intervention in Nicaragua (1909–33), a catastrophic earthquake and fire razed much of the capital city of Managua on 31 March 1931. Nicaraguan composer Luis Abraham Delgadillo (1884–1961), while residing in New York City, responded to the tragedy with his Romance Oriental (Eastern Romance) for flute and piano, dedicated to María Huezo, a friend who had perished in the earthquake. The work appears to fall within the nineteenth-century French exoticist musical tradition, but its commemorative purpose departs from the typical Orientalist representation. Delgadillo musically transformed Huezo’s memory from that of a “virtuous” woman in life into an “alluring,” voiceless female Other, which revealed particular desires. In this article, I argue that the Romance Oriental manifests a veiled escapist desire and an acute nostalgia for home. His musical response to the tragedy exhibits a binary interplay of spatial (Here/There) and temporal (Present/Past) landscapes, as the composer yearned for a return to the Managua of his childhood. The work was not a mere break with European exoticist tradition, but a resignification of Western musical convention by a Latin American composer.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Luis A. Delgadillomusical exoticismnostalgiaNicaraguaLatin AmericaCentral Americaexotismo musicalnostalgiaLatinoaméricaAmérica CentralThe Raja’s Nicaraguan Dream: Exoticism, Commemoration, and Nostalgia in Luis A. Delgadillo’s "Romance Oriental"articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0c7417k02020-04-24T17:03:46Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 5, no. 1 (Jan. 2020)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0c7417k0Martín Entrialgo, Albertoauthor2020-01-01Iberia, a collection of twelve piano pieces arranged in four books of three pieces each, is by far Isaac Albéniz’s most famous composition. Responding to a letter from Albéniz to the pianist Joaquín Malats, in which the composer confessed that with the third book of Iberia he carried the “españolismo [Spanishness] to its ultimate extreme,” I will argue that there are subtle stylistic differences between books one and two on the one hand, and books three and four on the other. As Paul Mast has observed, Albéniz’s use of the whole-tone scale decreased in books three and four, “after their ‘French’ aspect had undoubtedly been pointed out to the composer” (Mast, 1974). I will not only unveil Albéniz’s specific use of the whole-tone scale, but also point out an alternative compositional strategy that fulfills the same function in books three and four. Moreover, this renewed “Spanishness” entailed not only an emphasis on folkloristic elements on the foreground level, but also a more sophisticated use of the Phrygian (flamenco) mode in Albéniz’s recapitulations on the dominant. In other words, Albéniz’s conception of “Spanishness” entailed the structural translation of one of the “quintessential” features of flamenco music.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Isaac AlbénizIberiaJoaquín Malatswhole-tone scaleespañolismoSpanishnessescala de tonos enterosespañolismoflamencoAlbéniz, Malats, Iberia and the ultimate "españolismo"articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1zn5v4722019-10-07T23:17:08Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1zn5v472Hudde, Hermannauthor2018-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Review of "Collegium Musicum 'Fernando Silva-Morvan' and Camerata Barroca de Caracas. Monumenta Vol. II. La Música Colonial Venezolana. CD FD398200945."articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1334p96p2019-10-07T23:17:08Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1334p96pClark, Walter Aaronauthor2018-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Review of Manuel Pedro Ferreira and Teresa Cascudo (eds.), "Música e História: Estudos em Homenagem a Manuel Carlos de Brito" and José F. Ortega, "Cantes de la Minas, Cantes por Tarantas"articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0255k96k2019-10-07T23:17:07Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0255k96kMichel, Mélodieauthor2018-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/historical performanceMexicomusic festivalCENIDIMNew Spaincolonial musicLa Colección Sánchez Garza y el resurgimiento de la música virreinal: Celebraciones en la Ciudad de México, 2017-2018articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt74q8n20h2019-10-07T23:17:06Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/74q8n20hContreras Soto, Eduardoauthor2018-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/El Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, y su Congreso Internacional “De Nueva España a México: El Universo Musical Mexicano entre Centenarios (1517-1917)”articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt86w888th2019-10-07T23:17:05Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/86w888thGil de Gálvez, José ManuelauthorPicazo Gutiérrez, Marinaauthor2018-01-01This article addresses the development of the violin in eighteenth-century Spain from an esthetic point of view. This was a complex history, full of nuances and dramatic turns, until the instrument finally opened up to the Italian way. First we analyze its Iberian background in parallel with contemporaneous developments in other countries. Likewise, we analyze the reasons for the slow acceptance of purely instrumental music and the continued use of the instrument in Church services. These discussions are based on aesthetic controversies between theorists, composers and instrumentalists. We consider in more detail, the Aposento Anticrítico, by Francisco Corominas, as an aesthetic reference book in the defense of the use of the violin in the cathedrals and churches of eighteenth-century Spanish. Parallel to this, we engage on a discursive controversy emanating from the contrariety of underestimating the instrument, and in turn, accepting the music of Corelli and the Italian masters. An aesthetic diatribe that persists in the Iberian Peninsula until the end of the century of lights.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Violininstrumental musiceighteenth centurySpainCorominasCorelli.El violín ibérico en el siglo de las luces: Una encrucijada marcada por una disputa estéticaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt45s134b72019-10-07T23:17:05Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/45s134b7Diaz Silva, Rafaelauthor2018-01-01En 1989, en un artículo de la Revista Patagónica, el investigador argentino Rubén Pérez Bugallo refuta la afirmación del musicólogo chileno Luis Merino, respecto de la existencia de cualquier tipo de flauta en el área cultural fueguina/patagónica. Esta afirmación del Dr. Merino, aparece en el número 128 de la Revista Musical Chilena (1974). La tesis de Merino provenía de referencias etnohistóricas como la de Musters, que en su Vida entre patagones, dice haber observado la ejecución de una flauta vertical durante una bacanal tehuelche. Los argumentos de Pérez Bugallo, en contra de la existencia de la flauta fueguina eran sólidos, la referencia de Musters era controversial. A su vez, las réplicas de flautas fueguinas/patagónicas de los museos de Río Gallegos y Mar del Plata, no fueron producidas a partir de un modelo original, hecho que este investigador pudo comprobar por sí mismo. Sin embargo, la aparición de una flauta de tres agujeros, encontrada en la bahía de San Gregorio, en el Estrecho de Magallanes, y actualmente conservada en el Instituto de la Patagonia de la ciudad de Punta Arenas, refuta a su vez la tesis de Pérez Bugallo, demuestra que la hipótesis del Dr. Merino era correcta y presenta a la comunidad científica un aerófono fueguino por primera vez en la historia de la musicología mundial, un instrumento muchas veces mencionado como posible por Hornbostel, Gusinde y Grebe, pero jamás confirmado hasta ahora.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Aerófonopueblos fueguinosmúsica precolombinaaónikenkquenaLa Tierra del Fuego se apaga: Requiem para flauta solaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt2hh8b21v2019-10-07T23:17:04Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 2 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/2hh8b21vAbreu, Edward Ayres deauthor2018-01-01Considering fin-de-siècle symbolism and its ideological landscape as a reaction against naturalism in the arts and against positivism in philosophy, this article seeks to examine the technical and conceptual features present in two pieces of contemporary vocal chamber music by Ruy Coelho (1889-1986). The examined works, 6 Kacides Mauresques — a cycle, apparently inspired by 10th-century Iberian Arabic poetry translated into French by Franz Toussaint and published in Mercure de France in 1909 — and Sur la jetée d’Alexandrie — a piece composed after an excerpt from Aphrodite, a novel by Pierre Louÿs published in 1896 — were probably composed in the early 1910s. Given this historical context, the influence of Claude-Achille Debussy (specifically his Trois chansons de Bilitis) will be evaluated — particularly in the relation between the text and music, and in its erotic dimension.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/symbolismarabismorientalismeroticismdebussysmepan fluteqasîdamélodie.“...le Désir est tout...” — Obras vocais de câmara de Ruy Coelho à luz do simbolismo fin-de-siècle.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt698250dv2019-10-01T22:10:58Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 1 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/698250dvWeiner, Jackauthor2018-01-01Una de las primeras obras de Manuel de Falla (1876-1946) fue su ópera llamada “El Conde de Villamediana” (c1891). El nombre de este noble ítalo-español es Juan de Tasis (1582-1622). Tasis llegó a ser uno de los mayores poetas barrocos y uno de los más atrevidos de su época. Nuestro compositor y Tasis vivían una vida sexual peligrosa: aquél homosexual y éste bisexual. Son orientaciones peligrosas en las vidas de nuestros personajes. Esta ópera de Falla desapareció inmedia y permanentemente en 1891. Y nadie en el público general se ha enterado de su última parada. Me inclino a creer que el Falla adolescente optó por el tema de Tasis precisamente porque los dos tenían orientaciones sexuales parecidas. Sugiero que el joven compositor mostró su manuscrito ,”pecaminoso” al padre gaditano Francisco Fedriani de Paula Bermúdez de Castro (1853-c1936), Este padre habría quedado horrorizado y prohibió su publicación. Don Francisco fue el padre espiritual de Falla hasta la tumba. Las relaciones entre presbítero y penitente produjeron un nutrido epistolario unilateral que en este estudio se analiza. Desafortunadamente el epistolario es unilateral lo cual dificulta comprender muchas cartas del sacerdote. Tampoco se sabe del destino de las cartas de Falla. A través del epistolario de don Francisco espero dar tanto con las cartas desaparecidas de Falla como con el libretto de su ópera. Estas cartas presentan al lector una rara oportunidad de ver la interdependencia entre padre confesor y confesante.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Religiosidadintimidadsexualidadpecadopenitenciaconfesionalenfermedadlibrettocartas.El curioso epistolario unilateral de Francisco Fedriani padre confesor y factotum de Manuel de Fallaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt6t48v7wk2019-10-01T22:10:57Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 1 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/6t48v7wkChuse, Lorenauthor2018-01-01Recent scholarship in ethnomusicology foregrounds issues of globalization; transnational identity, deterritorialization and migration as they are articulated in musical practice. For centuries the music of the peoples of Spain has moved back and forth between Andalusia and North Africa. The recent collaborations between Spanish and North African musicians present a discourse of a pan-Mediterranean sensibility which articulates shared historical roots and shared contemporary realities, as it simultaneously references notions of convivencia (the shared co-existence of the three cultures in medieval Spain) and expresses contemporary inter-dependence. This article explores musical collaborations in Spain. ranging from interactive musical dialogues to hybrid fusions between musicians of both cultures. In what ways do these musical collaborations articulate identities; acknowledge shared histories and musical affinities; reflect contemporary socio/political realities and function as expressions of solidarity? In presenting the collaborative work of Spanish and North African musicians, I address issues these collaborations represent. I examine these collaborations from the perspectives of the musicians involved, and the discourse surrounding these musical creations. In so doing, I explore concepts of transnational and pan-Mediterranean identities, as well as the role of cultural imagination in constructing narratives of community and collective memory. https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/flamencoMúsica AndalusíMoroccan musichybridityidentity constructionconvivencia“The Notes that bathe the Mediterranean”: Spanish Flamencos and Moroccan Musicians in Creative Convivenciaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt08q4w99f2019-10-01T22:10:57Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 1 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/08q4w99fBarrera Ramírez, Fernandoauthor2018-01-01This paper aims to analyse and consider the hybridisations of popular music genres emerged in Andalusia, Spain, during the last thirty-five years. Fusions between urban music such as rock, pop and indie, and the folk music typical from the south of Spain: flamenco. For these purposes, two of the most important albums of this trend have been analysed, La leyenda del tiempo by the flamenco singer José Monge, also known as “Camarón” and La leyenda del espacio by the Spanish indie band from the city of Granada Los Planetas: origin and evolution of formal, aesthetic, social and commercial parameters of these albums. https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/rock gitano (Gypsy rock)rock andaluz (Andalusian rock) and indieFrom La leyenda del tiempo to La leyenda del espacio. Three Decades of Rock and Flamenco Hibridisation in Andalusian Musicarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt05q4p7682019-10-01T22:10:56Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 1 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/05q4p768Rios, Fernandoauthor2018-01-01In recent years, the estudiantina (a type of plucked string orchestra of Spanish origin) has become a topic of increased interest among music historians, including Latin Americanists. The Bolivian case, however, has not been the focus of detailed historical research, even though music scholars long have acknowledged that in the early-to-mid 20th century the estudiantina represented one of Bolivia’s most popular ensemble-types, and served as an important vehicle for the performance of typical criollo-mestizo musical expressions. This article traces the trajectory of La Paz’s estudiantina tradition, from its emergence in the 1880s as an upper-class criollo form of music making that centered on European repertoire, to its peak of popularity in the late 1930s and mid-1940s, when working-class mestizo musicians predominated in the milieu and most ensembles performed local genres (e.g., huayño, cueca) and indigenista (Indianist) works. The principal goal of this essay is to document this major shift. In the pages that follow, I discuss various groups, but devote special attention to the Orquesta Típica La Paz. Founded in 1945, this estudiantina represents the earliest instance of a Bolivian state-sponsored music group whose establishment formed part of a broader state attempt to court urban blue-collar workers.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/From Elite to Popular: Estudiantinas in La Paz, Bolivia, 1880s to 1940sarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt5rb520512019-10-01T22:10:55Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 3, no. 1 (Jan. 2018)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/5rb52051Lombardía, Anaauthor2018-01-01The Salamanca Manuscript (ca. 1659), preserved in the Biblioteca Nacional de España but virtually unknown to date, is the earliest Spanish violin-music source that has been located. It contains ten melodies of bailes (popular dances), danzas (courtly dances), and canciones (songs) from Spain, Portugal, Italy and Latin America. Most of this repertoire was sung, played and danced simultaneously. The manuscript includes five dance types of which Iberian melodic examples prior to 1700 were hardly known to date: folijón, morisca, zarambeque, chaconne and Spanish galliard. In addition, it contains examples of three schemata that are better known: ruggiero, jácara and canario. The music is written in tablatures that symbolize violin fingerings, but not the rhythm or harmony, so the transcription is very problematic. The article contains a codicological study of the source and a "historically informed re-composition" that departs from various sources, not only musical (e.g., Sanz and Ruiz de Ribayaz), but also iconographic (e.g., Velázquez) and literary (e.g., Cervantes). The proposed transcriptions allow for refining the musical prototypes of the eight aforementioned bailes and danzas so far extant. This small music selection shows the intense internationalization of popular repertory in the mid seventeenth century.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Salamanca ManuscriptviolintablatureSpanish musicseventeenth century.Melodías para versos silenciosos: Bailes, danzas y canciones para violín en el Manuscrito de Salamanca (ca. 1659)articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8k6645132019-10-01T21:58:20Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 2 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8k664513Lazo, Silviaauthor2017-01-01From the appearance of sound film in the late 1920s to the spread of media outlets such as television and personal computers to today’s video-enabled mobile phones, the immediacy of audiovisual culture has changed the way people navigate and manipulate content. Visual images often instinctively induce aural and musical associations, and vice versa. Yet musical analysis in audiovisual culture often presumes the constraint of the visual on the musical (i.e., the primacy of a visual product over its accompanying music). In this paper, I take a diverging approach. I present Roberto Sierra’s Sch. as a case study for the effects of multimedia technology in a twenty-first-century composer’s creative process and product, which conjures up the imagination in historical and contemporary ways. This investigation complements research in music analysis, film music, and music pedagogy in relation to audiovisual culture by highlighting the mutually influential effects of musical and visual cultures.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Latin American musicaudiovisual culturemusic imagination.Dalí’s Eccentric Imagination: Impact of Audiovisual Culture in Roberto Sierra’s Scharticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt6b8787t22019-10-01T21:58:20Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 2 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/6b8787t2dos Santos, Silvioauthor2017-01-01In response to the news of a murdered Indian chief around 1980, Marlos Nobre composed Yanománi, op. 47 as a symbol to the suffering of an indigenous nation facing annihilation. With this work, Nobre pioneered an advocacy on behalf of the Yanomami through art, at a time when only international attention could potentially change their situation. Yet, as a cultural artifact, this work builds upon a history of stereotypical images of the índio brasileiro (Native Brazilian) in the arts, literature, and music, which ranges from representations of the exotic and noble savage to a figure that poses a threat to national security.As I demonstrate, Nobre represents an imagined rendering of the Yanomami’s ritual of death within a musical language that, while emulating “native” sounds, is built upon avant-garde techniques of Western music. As such, it emphasizes the sense of otherness of the Brazilian Indians. Indeed, while the indigenous words in the lyrics are hardly understood, the Portuguese words are clear: “Mata cacique” (kill the Indian chief). Ultimately, Yanománi joins the work of anthropologists and other artists in bringing international attention to the negligence and criminal acts against the indigenous communities in Brazil.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Musical ActivismCultural ImaginationIndigeneityGenocide.Ativismo Musical e Imaginação Indigenista em Yanománi, op. 47 (1980) de Marlos Nobrearticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4tt2f6012019-10-01T21:58:19Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 2 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4tt2f601Orringer, Nelson R.author2017-01-01Between 1920 and 1936, Spanish composer Manuel de Falla and his friend and folk-music pupil Federico García Lorca, Spanish poet and playwright, wrote many of their best-known works, all affected by the other artist. The many interconnections between them exceeded the printing space available to the author for his 2014 book on those links. The present article puts those silenced finds into print for the first time. Falla´s 1908 piece “Andaluza” attempts to express the soul of Andalusia by imitating rhythms, modalities, melodies, adornments, and folk cadences of that southern Spanish region. The work, together with others by Falla, inspires at least two poems and two poetic dialogues by Lorca: the two “Rider's Songs” from the 1924 anthology Canciones or Songs and two short allegorical dialogues of 1925 gathered into Poema del Cante Jondo or Poem of Deep Song. While all these analogies between Falla's music and Lorca´s poetry center around a variety of male Andalusian archetypes, still other likenesses between the two artists show up in Falla´s compositions examining feminine innocence and the two Lorca poems “Two Girls,” two studies on Andalusian woman's purity from Poem of Deep Song.
https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/music and literatureManuel de FallaFederico García LorcaAndalusia“Andaluza”CancionesPoema del Cante Jondomale and female archetypes.Silenced Keys to Literary and Musical Interplays between Lorca and Fallaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8301v8fh2019-10-01T21:58:18Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 2 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8301v8fhIsusi Fagoaga, Rosaauthor2017-01-01En este estudio se analiza de manera global y crítica la recepción y circulación de las principales fuentes con música instrumental -sobre todo para tecla- de compositores que trabajaron en instituciones valencianas entre los siglos XVIII y XIX. Asimismo, se presentan algunas poco conocidas -localizadas fundamentalmente en el Real Colegio Seminario de Corpus Christi de Valencia- y se formulan hipótesis sobre su procedencia. Estas ponen de manifiesto la importancia de las instituciones periféricas y sus músicos y las amplias y diversas redes de conexión. Algunos de los manuscritos estudiados son misceláneos y presentan fugas, pasos, preludios, recercadas, salmodias, sonatas y versos junto a obras vocales. Las fuentes contienen piezas de compositores casi desconocidos que trabajaron en tierras levantinas y también anónimas. Varias obras son de compositores foráneos, casi todos vinculados a la Capilla Real de Madrid y a la catedral de Tortosa. Se incluyen otras fuentes poco conocidas conservadas en los archivos locales de las iglesias de Morella y Villarreal en Castellón, así como las escasas noticias disponibles sobre música de cámara con el fin de presentar una panorámica general sobre la música instrumental del período. Los principales objetivos de este estudio son ampliar la investigación sobre música instrumental compuesta e interpretada en tierras valencianas entre los siglos XIX y XX y valorar el caso en el contexto hispano. Además transferir el conocimiento sobre este patrimonio poco conocido a través de la docenciahttps://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Música instrumentalfuentes musicalescirculacións. XVIII y XIXValencia (España)docencia.Música instrumental en Valencia entre los siglos XVIII y XIX: Revisión crítica para la investigación y docenciaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3th1332z2019-10-01T21:58:18Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 2 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3th1332zMendivil, Julioauthor2017-01-01En este artículo muestro cómo en la década de 1940 del siglo pasado una generación de estudiosos trató de liberar a la llamada música incaica de las connotaciones femeninas que le habían sido atribuidas debido a su propensión al modo menor y a su calidad de música conquistada. Mediante una revisión de la obra del musicólogo ecuatoriano Segundo Luis Moreno (1949, 1957) y del musicólogo peruano Policarpo Caballero Farfán (1946, 1988) discuto las estrategias urdidas por una corriente indigenista y nacionalista para construir una imagen viril y corajuda de la música incaica acorde con un nuevo ideal del indio surgido en la primera mitad del siglo XX, que lo presentaba como un ser indómito y rebelde.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Música incaicamusicologia andinaindigenismoestudios de géneroPeruEcuador.Cosa de hombres: sobre construcciones de género en la musicología sobre la música de los Andesarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4876d6hz2019-09-26T23:27:08Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4876d6hzClark, Walterauthor2017-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/The Life and Music of Enrique Granados: A Centennial Celebrationarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt1vf8n0j22019-09-26T23:27:08Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/1vf8n0j2Curbelo, Jose MariaauthorMartín Alfaro, Ariadnaauthor2017-01-01La suite pianística Goyescas-los majos enamorados es la composición musical más importante del compositor Enrique Granados, tal y como podemos observar en sus anotaciones: He tenido la dicha por fin de encontrar algo grande: “Las Goyescas”; “Los majos enamorados”, llevan ya mucho andado. Su gran dificultad técnica y su alto poder comunicativo la han convertido en una de las obras más respetadas del repertorio pianístico español. Consta de seis piezas publicadas en dos volúmenes (1912-14), tituladas Los requiebros, Coloquio en la reja, El fandango de
candil, y Quejas o la maja y el ruiseñor, El amor y la muerte y Epilogo, o
serenata del espectro. Este ciclo de obras está inspirado en la época y arte del pintor Francisco de Goya y el éxito de la suite Goyescas- los majos enamorados llevó a Granados a ajustarla para escena y reflejar de manera más clara y directa cada uno de los aspectos tratados en los cuadros de Goya: una historia temática, unos personajes, un decorado, un ambiente y unas determinadas vestimentas. Por tanto, la suite para piano Goyescas es un complejo trabajo artístico del compositor catalán que interrelaciona las artes visuales, la poesía y la música, todo con un fondo español. En este artículo abordaremos la interrelación artística entre la trama argumental de la ópera, la música de Granados y los cuadros que sirvieron de inspiración para ésta.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/GoyescasGranadosGoyalmúsicapoesía y pintura.El contexto extra-musical en la interpretación de Goyescas – Los Majos Enamorados: Interrelación artísticaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt18m451w62019-09-26T23:27:07Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/18m451w6Curbelo González, Óliverauthor2017-01-01La investigación de Granados hacia el uso del pedal representó una aportación importante al campo de la interpretación y la enseñanza del piano de principios del siglo XX. Desde el punto de vista interpretativo sentó las bases del uso del pedal a contratiempo en España y sintetizó, por primera vez en lengua española, una serie de reglas fundamentales para el uso del pedal y su aplicación a contratiempo según los valores de las notas, la naturaleza de los grupos melódicos, el registro y la velocidad.Durante su investigación llegó a escribir hasta cuatro métodos de pedal entre los años 1905 y 1913: Método teórico práctico sobre el uso de los pedales del piano (1905), El pedal (1911) y dos versiones de Reglas para el uso de los pedales del piano. El análisis de estos textos teórico-prácticos permite observar la evolución de las teorías para la enseñanza del pedal de Granados, que quedarían reflejadas en algunas de sus composiciones.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/GranadospedalpianométodoInnovaciones pedagógicas en los métodos para el uso del pedal de Enrique Granadosarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3z7118982019-09-26T23:27:06Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3z711898Estrada Bascuñana, Carolinaauthor2017-01-01This paper presents the outcomes of a three-year doctoral investigation, in which the author examines stylistic and aesthetic trends in the performances of Granados, with the aim of producing a detailed and painstaking examination of the pianistic tradition inherited by the Spanish composer. The differing and equally convincing pianistic styles of Granados’ followers call into question the validity of only one possible “authoritative” interpretation when approaching this particular performance tradition. The thorough analysis of Valses poéticos op.43 written by Granados allowed a closer look at performance practices of Granados and the musical tastes of his time. This early work is especially relevant due to the significant number of its original sources. This investigation has unearthed a treasure trove of new and detailed information about this wonderful pianistic legacy left by Granados, and the Catalan School of Piano Players. Furthermore, it raises questions about current performance practices and the stylistic validity that pianists might be able to give in their performances of Granados’ works through a combined study of his manuscripts, pedagogical methods, recordings and performance tradition.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique Granadosoriginal sourcesperformance based research.New Approaches to Enrique Granados’ Pedagogical Methods and Pianistic Tradition: A Case Study of Valses poéticos op.43articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4f03574d2019-09-26T23:27:05Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4f03574dQuijano Axle, Mario Rogerauthor2017-01-01En general las obras para escena de Granados se pueden situar en dos conjuntos de acuerdo a su idioma y contexto: las catalanas y las castellanas. Las primeras incursionan en el Modernismo mientras que las segundas en el drama rural, correspondiendo éstas a sus primeros intentos teatrales generados por su estancia en Madrid y a su relación con José Feliú y Codina. A partir de fuentes hemerográficas, esta investigación comprende la relación entre ambos artistas; la génesis, estreno, recepción y difusión de Miel de la Alcarria y María del Carmen y una aproximación a la interpretación del drama rural en el lenguaje musical del compositorhttps://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique Granadosdrama ruralmúsica incidentalóperaMadridJosé Feliú y Codina.Enrique Granados y el drama rural de Feliú y Codina en dos obras para escena en castellano: Miel de la Alcarria (1897) y María del Carmen (1898)articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt6f42h4h12019-09-26T23:27:04Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/6f42h4h1Perandones, Miriamauthor2017-01-01Enrique Granados (1867-1916) es uno de los tres compositores que conforman el canon del Nacionalismo español junto a Manuel de Falla (1876- 1946) e Isaac Albéniz (1860-1909) y, sin embargo, este músico suele quedar a la sombra de sus compatriotas en los discursos históricos. Además, Granados también está fuera del “trío fundacional” del Nacionalismo formado por Felip Pedrell (1841-1922) —considerado el maestro de los tres compositores nacionalistas, y, en consecuencia, el “padre” del nacionalismo español—Albéniz y Falla. En consecuencia, uno de los objetivos de este trabajo es discernir por qué Granados aparece en un lugar secundario en la historiografía española, y cómo y en base a qué premisas se conformó este canon musical.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique GranadoscanonNacionalismohistoriografia musical.¿Granados no es un gran maestro? Análisis del discurso historiográfico sobre el compositor y el canon nacionalista españolarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4pg5f1h92019-09-26T23:27:03Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4pg5f1h9Kent, Adamauthor2017-01-01Given the extent of Granados’s activity as a chamber musician, it is curious that he contributed relatively few original works to the genre. Premiered in 1895, the Piano Trio is an important composition, all the more valuable for the overall paucity of chamber music produced by the Spanish nationalist school. The trio presents an amalgamation of many familiar threads of Granados’s compositional style: virtuosic piano writing, a grounding in mainstream European Romanticism, a generalized nationalistic flavor, a more explicitly Catalan regional color, and a cyclical handling of large-scale form.The trio did not enjoy a significant performance history, and was not published until 1976. Full of typographical errors and lacking source documentation, the first edition was superseded by authoritative critical urtexts, published by Edicions Tritó and Casa-Boileau in 2013. Still, numerous notational dilemmas persist, and the overall aesthetic cohesiveness of the work remains a challenge to potential interpreters.The present paper situates Granados’s sole essay for piano, violin and cello in the context of his overall output, as an antecedent to the more refined handling of many of the same compositional traits in the Goyescas and other more mature compositions. It also seeks to elucidate both practical and conceptual obstacles to the trio’s integration into the repertory, including a thorough comparison of inconsistencies among source materials.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Enrique GranadosPiano TrioNationalismMusical AnalysisGranados’s Piano Trio: Harbinger of Masterworks to Comearticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt90b4c4cb2019-09-26T23:27:02Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/90b4c4cbde la Torre, Ricardoauthor2017-01-01Cuba exerted a particular fascination on several generations of Spanish composers. Enrique Granados, himself of Cuban ancestry, was no exception. Even though he never set foot on the island—unlike his friend Isaac Albéniz—his acquaintance with the music of Cuba became manifest in the piano piece A la cubana, his only work with overt references to that country.This article proposes an examination of A la cubana that accounts for the textural and harmonic characteristics of the second part of the piece as a vehicle for Granados to pay homage to the piano danzas of Cuban composer Ignacio Cervantes. Also discussed are similarities between A la cubana and one of Albéniz’s own piano pieces of Caribbean inspiration as well as the context in which the music of then colonial Cuba interacted with that of Spain during Granados’s youth, paying special attention to the relationship between Havana and Catalonia.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/GranadosIgnacio CervantesHavanaCataloniaIsaac AlbénizCuban-Spanish musical relationsA la cubana: Enrique Granados’s Cuban Connectionarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0pz2d1j52019-09-26T23:27:02Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 2, no. 1 (Jan. 2017)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0pz2d1j5Curbelo González, ÓliverauthorMartín Sanz, Cristinaauthor2017-01-01En el presente trabajo, justo cuando se cumple el primer centenario de su muerte (1916), se da a conocer el manuscrito autógrafo de cinco marchas militares para piano de Enrique Granados, tres de las cuales habían permanecido inéditas hasta ahora. Se trata de un obsequio del pianista catalán al rey Alfonso XIII, cuyo hallazgo se llevó a cabo en el archivo de la Real Biblioteca del Palacio Real de Madrid.De estas cinco marchas, únicamente habían sido editadas con anterioridad dos de ellas, las cuales fueron catalogadas, junto con otra atribuida a Granados, con el número DLR III:23. El estudio y análisis de las tres marchas militares restantes nos ha permitido reconocer una versión previa para piano de las Dos marchas militares escritas para piano a cuatro manos y una obra totalmente inédita del compositor catalán.El presente hallazgo, además de ampliar el catálogo compositivo de Granados, resalta su incursión por el género de las marchas militares, muy conocido por motivos familiares, y su relación con el rey Alfonso XIII.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Granadosmarchas militarespianomúsica inéditaUn Manuscrito Inédito con Cinco Marchas Militares de Enrique Granadosarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt5vk0r87b2019-09-26T21:07:12Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 2 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/5vk0r87bClark, Walterauthor2016-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Robert Stevenson's Inter-American Music Reviewarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3sc408fm2019-09-26T21:07:12Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 2 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3sc408fmLeón, Taniaauthor2016-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Polyrhtythmia in the Music of Cubaarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0cn5q0qr2019-09-26T21:07:11Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 2 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0cn5q0qrBudasz, Rogérioauthor2016-01-01Description and brief analysis of the manuscripts catalogued as G-Prática 51b in the Musical Archive of the Palácio Ducal de Vila Viçosa, Portugal. Identification of authorship and sources of 11, out of the 12 or 13 numbers that comprise the set, titled Demofonte [sic]. Discussion on the casting and order of numbers of two possible performances in Rio de Janeiro during the 1780s and 1790s. Further considerations on the use of the term “pastiche” in the context of eighteenth-century Luso-Brazilian theater.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Demofoonteeighteenth-century operaPortugalBrazilpastichePedro Antonio PereiraVila Viçosa."Demofonte": A Luso-Brazilian Pastiche?articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0rh176rz2019-09-26T21:07:10Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 2 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0rh176rzLazo, Silviaauthor2016-01-01The overwhelming presumption about songs is that they are meant to be sung. In the curious case of “En Sourdine” (“Muted”; 1904), composed by Pau Casals (1876–1973), we see an exquisite discrepancy: a love song that is both romantic utterance and yet muteness. The paradoxical genesis of “En Sourdine” stems from Casals’s then secretive relationship with lieder singer, Susan Metcalfe, during their performance engagements in and around New York City circa 1904. In “Musicology for Art Historians”, Jonathan Hicks tells us that musicology relentlessly promoted the association of “composerly authority with a masculine subject.” This focus obfuscated many aspects of compositional impetus and relegated the role of other historical agents to oblivion, particularly the roles of “singer, instrumentalist, patron, etc.—that women have most often been in positions to perform.” “En Sourdine,” a song that significantly appears in Casals’s catalog without a date, reveals the deeply personal nature of his vocal works. An analysis of “En Sourdine” reveals the song’s function as a form of sensual communication, not intended for public dissemination. This study contributes to a reassessment of the role of singer and muse, as well as a discussion of one of Casals’s 34 songs.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/musicologyvocal musiccompositional authoritymusic Intertextualitysong secrecy.The Secret Nightingale: When Utterance and Silence Co-exist; Susan Metcalfe-Casals and the Genesis of “En Sourdine”articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt15q6n48p2019-09-26T21:07:09Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 2 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/15q6n48pIzquierdo König, José Manuelauthor2016-01-01La tonadilla escénica, género hispano de teatro breve musical de fines del siglo XVIII, ha despertado un creciente interés de análisis en la última década. Sin embargo, y pese a que su difusión por todo el espectro americano ha sido reconocida, existen aún pocos estudios sobre ella fuera del marco español, principalmente debido a la escasez de fuentes musicales. Este trabajo se adentra en las posibilidades que pudo dar la tonadilla como medio de comunicación de las ideas de la independencia peruana a través de un caso que se conserva completo en música y libreto, El Militar Retirado, y a través de él proponer nuevos modos de compresión de la importante transición cultural de colonia a república en Hispanoamérica.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/tonadillateatroindependencia iberoamericanaPerúmúsica."El Militar Retirado" de Pedro Jiménez de Abrill (Arequipa, 1784-Sucre, 1856): Una Tonadilla Inédita en el Perú Independiente.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt0cv9180j2019-09-26T16:59:09Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/0cv9180jClark, Walter Aaronauthor2016-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/In Memoriam: Robert Murrell Stevenson (1916-2012)articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt69f6494d2019-09-26T16:59:08Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/69f6494dCepeda, María Elenaauthor2016-01-01https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Review of Christopher Dennis, "Afro-‐Colombian Hip-‐Hop: Globalization, Transcultural Music, and Ethnic Identities."articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt4q54v67g2019-09-26T16:59:07Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/4q54v67gClark, Walter A.author2016-01-01The characteristic view we usually have of Isaac Albéniz is as a champion of late-Romantic and early-modern españolismo, a composer who first defined the Spanish style in the 1880s with his ever-popular Suite española no. 1 and Recuerdos de viaje, then went on to redefine this style under the influence of French modernism as he experienced it in his adoptive city of Paris during the 1890s and early 1900s. Through the two decades of his career as the leading peninsular exponent of a Spanish national style in serious art music, Albéniz drew repeatedly on the inexhaustible supply of regional folklore available to him, not so much through printed collections but through direct experience and recollection, garnered during his extensive travels through Spain as a concert pianist during the 1870s and 1880s. However, reducing a complex artist like Albéniz to such a simple formulation is hazardous and, in fact, highly misleading. There are many facets of his musical personality, and aside from Romanticism and modernism, one must add classicism to the list of traits that distinguished his output. In this article, I wish to explore not the Romantic or modernist in Albéniz but rather the classicist, and finally to see how, in his Iberia, these three components of his artistic personality merged to create one of the great masterpieces in the piano repertoire.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/AlbénizSonatasSuites anciennesIberiaclassicismRomanticismmodernism.“Variety within Logic”: Classicism in the Works of Isaac Albéniz.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt8qg6c8nx2019-09-26T16:59:06Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/8qg6c8nxCurbelo, José MariaauthorMartín Alfaro, Ariadnaauthor2016-01-01The piano suite Goyescas: los majos enamorados by the Spanish composer Enrique Granados is a set of six pieces, all of them inspired by the Madrid society of the eigtheenth century that Goya depicted in his paintings. The success of the piano suite led Granados to compose an eponymous opera in which he reflected every aspect shown in Goya’s paintings in a clearer and more direct way: a literary-thematic story, the characters, the scenery, the atmosphere, and clothing. Therefore, Goyescas is a complex art work by the Catalan composer, one that interrelates the visual arts, poetry, and music, all with a Spanish background. This article addresses one of the important points of this expansive work by providing pianists with the extra-musical context of the work, i.e., the main characters taking part in the Goyescas opera, which will help them understand the meaning of Goyescas: los majos enamorados.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/GoyescasGranadosGoyacharactersmusic and paintingEstudio de la Suite para Piano Goyescas: Los Majos Enamorados a través de los Personajes de los Cuadros de Goya.articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt5f60p1dm2019-09-26T16:59:05Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/5f60p1dmSánchez-Kisielewska, Olgaauthor2016-01-01La influencia del estilo italiano es uno de los principales temas en el estudio de la música hispana dieciochesca. Este artículo explora dicha influencia en las misas concertadas de Ignacio Jerusalem y José de Nebra, y propone dos estrategias analíticas como indicadores de italianismo musical: los recursos expresivos típicos de la misa napolitana (Bacciagaluppi 2006) y los esquemas galantes de conducción de voces (Gjerdingen 2007). Las misas de Nebra presentan un bajo grado de italianización; las de Jerusalem son, obviamente, de estilo italiano. Aunque los acercamientos analíticos a la música de Jerusalem tienden a enfatizar los elementos del estilo clásico vienés, defiendo la inclusion del estilo napolitano galante como marco fundamental de referencia para su obra.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Claves para el Análisis del Italianismo en la Música Hispana: Esquemas Galantes y Figuras Retóricas en las Misas de Jerusalem y Nebraarticlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt03m6v8vv2019-09-26T16:59:05Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/03m6v8vvPérez de Alejo, Liz Maryauthor2016-01-01La producción artística e intelectual de Joaquín Nin (La Habana, 1879-1949) comprende música para diversos formatos—piano, voz y piano, voz y conjunto instrumental, violín y piano, violoncello y piano, entre otras combinaciones instrumentales—, ensayos estéticos, artículos de interés musicológico y ediciones críticas de obras para tecla del siglo XVIII. El hecho de que su legado se halle disperso en bibliotecas de distintos países, distantes entre sí, ha impedido el estudio sistémico de su personalidad y del significado de su obra desde una perspectiva integradora.La localización en Riverside, University of California (Coll. 076) del mayor número de partituras que se conservan de este autor, así como un conjunto de materiales biográficos, permite ahondar en su trayectoria creativa, imbricando el corpus primario profesional (programas de concierto, manuscritos musicales y literarios, publicaciones…) con el legado personal, constituido por cartas, apuntes y documentos autobiográficos. El análisis pormenorizado de una selección de estos materiales—con énfasis en una obra paradigmática en su producción: Vingt chants populaires espagnols (1923) —se llevó a cabo con un interés fundamentalmente estético, ahondando en el universo ideológico de Nin y cómo este influyó en su posicionamiento identitario.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Joaquín Nin y su legado: Valoración crítica y perspectivas de estudio en torno a Vingt chants populaires espagnols (1923)articlelocaloai:escholarship.org:ark:/13030/qt3x74g10t2019-09-26T16:59:04Z am 3u Diagonal: An Ibero-American Music ReviewVol. 1, no. 1 (Jan. 2016)eScholarship, University of Californiahttps://escholarship.org/uc/item/3x74g10tCastro Buendía, Guillermoauthor2016-01-01La formación de los cantes mineros tuvo un proceso artístico a partir de formas musicales que se cantaban en el siglo XIX, cantes y cantos que fueron base de los estilos que hoy conocemos y que se cantan bajo el nombre de cartagenera, taranta, minera, levantica o murciana como más significativos. La presencia en estos cantes del V grado rebajado es una de sus señas de identidad, a las que hay que añadir el llamado toque de taranta, con sus típicas disonancias y ausencia de compás medido. Descubriremos en este trabajo en qué documentos antiguos, ya sean sonoros, partituras o de otra índole, podemos encontrar esos rasgos identificativos como algo presente en la cultura de esta comarca y zonas limítrofes, intentando descubrir cuál fue el papel de Murcia en la configuración de estos cantes.https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Identidad musical de los cantes mineros: Búsqueda y documentaciónarticlelocal